LA ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO. BRAMANTE Y PALLADIO

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La arquitectura del Cinquecento. Bramante y Palladio

La arquitectura del Cinquecento sacrifica el sentido decorativo del período anterior por la búsqueda del racionalismo en las formas arquitectónicas y concibe las construcciones como un todo unitario donde la armonía triunfa plenamente. Además se introducen los volúmenes y se abandona la horizontalidad propia del Quatrocento.

Roma se convierte en centro del poder religioso y político , donde reside el Papado y en la capital artística y cultural de Europa.

La urbe medieval se transforma en una ciudad nueva donde los mejores artistas del momento realizan sus proyectos más ambiciosos. La arquitectura se caracteriza por el racionalismo de las formas, que buscan el equilibrio y la armonía de las proporciones. La decoración de detalle va a tener un carácter secundario y se apuesta por los efectos monumentales.

Principales arquitectos:

Los principales arquitectos del siglos XVI son Bramante y Miguel Ángel , cuya producción se centra en Roma. En segundo plano están Jacopo Sansovino, ,il Vignola y Andrea Palladio.

Donato Bramante (1444-1514)

Bramante está considerado como un auténtico erudito , que escribió tratados sobre arquitectura y la proporción perfecta de los cuerpos , que, desgraciadamente, no se conservan . fue un estudiosos de las ruinas grecorromanas ,yen sus obras prima el carácter estructural y la monumentalidad. La obra de Bramante es tan significativa en el siglo XVI como la de Bruneleschi en el XV. Ambos son, en realidad, la síntesis del Renacimiento. Bramante había hecho obras en el norte de Italia ( Lombardía) en las que prevalecía el sentido decorativo del Quatrocento , pero en Roma es cautivado por la majestad de las ruinas romanas. Allí decide un arte en que la estructura arquitectónica sea lo único dominante. Su obra se divide en dos etapas, las que corresponden a sus estancias en la Lombardía y en Roma. De la primera etapa sobresalen las reconstrucciones de la Iglesia de Santa Maria presso San Satiro o Santa Marie delle Grazie, ambas en Milán, que todavía denotan una profusa decoración. En esta fase en Milán se interesó por estructuras centralizadas , de gran amplitud, con exedras ( obra de planta semicircular a modo de ábside) y cúpulas. 

Su otra obra milanesa, Santa Maria delle Grazie, fue también la conclusión de un edificio iniciado por otro arquitecto. Guiniforte Solari, que había construido una hermosa iglesia de tres naves a la que le faltaba la cabecera . Cuando , hacia 1492, Bramante recibió el encargo de continuarla, resolvió el contacto entre ambas construcciones utilizando el mismo ritmo geométrico , pero agigantando osadamente los órdenes hasta transformarlo en algo propio , magistral. Así, las tres naves de Solari son coronadas por un alto espacio cúbico sobre el que se alza una cúpula con un elevado tambor,. Las tres caras exteriores de cubo están ocupadas por tres elevado ábsides semicilíndricos. Bramante construyó al lado un maravilloso claustro con arcos “ a la Bruneleschi”m desde el que se puede observar su obra.

Sin embargo ,al trasladarse a Roma abandona todo elemento decorativo y se centra en la estructura del edificio . A esta etapa pertenece San Pietro in Montorio, de grandísimo monumentalidad a pesar de sus pequeñas dimensiones. Este templo es todo un programa edilicio , algo así como lo que fue la Capilla Pazzi de Bruneleschi. La austera sobriedad y elegancia caracterizará toda la obra plástica, tanto en arquitectura, escultura o pintura, del Cinquecento romano.

Este será su primer trabajo importante en la Ciudad Eterna y es para la Corona españolaLos Reyes católicos , en agradecimineto por la Toma de Granada, deciden consagrara en Roma una iglesia a san Pedro, en el lugar donde una piadosa tradición creía que fue martirizado . En 1500 se bendececía esta obra y , de inmediato, el embajador español ante la Santa Sede, Bernardino de Carvajal, encargaba a bramante un templete en el patio, con el fin de recordar el punto exacto donde se enclavó la cruz del Príncipe de los Apósteles. El arquitecto proyecta una rotonda de 16 columnas dóricas, que desde su inauguración en 1502, se convertirá en canon de belleza arquitectónica y en símbolo del estilo clásico

En el claustro de la iglesia de Santa Marie della Pace Bramante superpuso dos galerías: la inferior con arcos de medio unto y la superior con columnas jónicas que alternan con pilastras sin ningún adorno.

Miguel Angel Buonarroti ( 1475-1564)

La figura que culmina el período del Cinquecento es Miguel Ángel, humanista por excelencia que practicó todas las artes mayores.

Su obra arquitectónica centra la atención en el juego los volúmenes y rompe con el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. En Florencia diseño la fachada de la iglesia de San Lorenzo y la capilla de los Medicis ( comenzada en 1520). Pero su gran encargo , efectuado por el papa Julio II, fue la construcción de la iglesia de San Pedro del Vaticano en Roma ( iniciada en 1558) El artista planificó una iglesia de cruz griega con cuatro ábsides, retomando el proyecto inicial de Bramante. Sin embargo tan solo se llegó a realizar la cúpula de dicha basílica, inspirada en la de Bruneleschi.

Entre 1524 y 1527 realizó la biblioteca Laurentina en Florencia, donde cpolocó, en un espacio muy reducido, un amplio repertorio de motivos ornamentales clásicos. En Roma llevó a cabo una parte importante del palacio Farnesio y diseño en 1546 la piazza del Capidoglio, de la misma ciudad, en forma de trapecio y rodeada de palacios.

Otros arquitectos del siglo XVI

Giulio Barozzi (1507-1573) il Vignola, es autor de la iglesia de Il Ges en Roma. realizada para la joven Compañía de Jesús que difiere, en cuanto a concepto , de los anteriores templos renacentistas. La distribución de luces y penumbras está más cerca del gótico del siglo XIII que de la luminosidad de Bruneleschi. Vignola en este magistral templo acierta con el espíritu de la Contrarreforma y crea el modelo de templo jesuítico que se desarrollará en el Barroco. Su estructura ,de cruz latina , con una sola nave y capillas laterales , está cubierta con bóveda de cañón y el crucero está coronado por una cúpula. La fachada, sin embargo, fue realizada entre 1573 y 1584 , por Giacomo della Porta .

Andrea Palladio ((1508-1580) 

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Andrea di Pietro , conocido como Palladio , trabajó principalmente en Vicenza, uno de los centros del Renacimiento veneciano. Será en esta ciudad donde desarrolle su labor como arquitecto.

El palladio era la imagen de Pallas Atenea que se veneraba en Troya y que, tras la destrucción de esta ciudad, fue llevada por Eneas a Italia. Palladio recibió su sobrenombre en alusión a la sabiduría y armonía grecorromana que hacía revivir en sus obra. Su preocupación máxima fue adaptar las formas de la antigüedad a las necesidades modernas, alumbrando un repertorio de obras civiles que brillan con el mismo resplandor que las religiosas. Entre las primeras sobresalen la basílica, la villa y el teatro, entre las segundas destaca la iglesia

Aprende en Roma, donde recoge todo el vocabulario formal que había rescatado el Renacimiento de la Antigüedad , pero él lo utiliza con una sintaxis distinta. Trabaja sobre todo en el norte de Italia y deja en Venecia obras cono las iglesias de San Jorge y el Redentor

Sus principales obras son: la basílica de Vicenza, en esta utiliza las columnas de dos escalas distintas, la mayor para el entablamento y la menor para los arcos , creando lo que se conoce como “orden gigante”. Con ello combina genialmente el sentido estático de la arquitectura, que es puramente griego, con el dinamismo, que es más romano ; la Villa Capra, conocida como La Rotonda, construida en 1550, y la iglesia del Redentor en Venecia, de 1577.

 La Basílica de Vicenza ( iniciada en 1549)

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En 1549 ganaba el concurso para revestir con una envoltura pétrea la basílica o palacio de la razón. Su intervención fue magistral . Delinea una fachada de dos plantas- el piso bajo de orden dórico y el alto , jónico- a partir de la repetición seriada de una módulo, que ha pasado a la historia del arte con el título de de “ tramo rítmico palladiano”. Consiste en inscribir un arco de medio punto y dos dinteles laterales apeados sobre columnas de orden normal , en un marco arquitrabado con columnas de orden gigante.

La Villa Capra o La Rotonda

Quizá la mayor genialidad de Palladio sean sus villas o casa de campo tratadas como vercaderos templos; en ellas consigue integrara como nunca se había conseguido la arquitectura y el paisaje.

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Está concebida como una segunda vivienda para la alta sociedad, que buscaba en el campo refugio pacífico frente a la ajetreada vida urbana. Consta de una salón central , cubierto con cúpula , y cuatro pórticos con frontón , que actúan como galerías, desde las que se puede gozar de la campiña

 

Estas villas con pórticos a la entrada parecen haber originado, a través de Inglaterra, el tipo de mansión de Estados Unidos.
El teatro olímpico 

Su Teatro Olímpico, de 1584 recupera el modelo de teatro romano , además de crear efectos escenográficos gracias a la sabia utilización de la perspectiva.

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El éxito de sus teatros provisionales de madera motivó que la Academia olímpica de Vicenza le solicitase los planosde unos estable. Palladio, inspirándose en los modelos romanos , construyó una estructura semi elíptica cerrada por una decoración en perspectiva, que ofrece permanentemente las calles de Tebas, tal como se concibió para representar la tragedia inaugural de Edipo rey 

 

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Sus obras religiosas se concentran en Venecia , desarrollando plantas de cruz latina y fachadas articuladas por por la conjunción de dos frontones. Los templos de El Redentor ( 1580) y el complejo monástico de san Giorgio Maggiore (1597) son ejemplos bellísimos de este proceder, donde además brilla en su interior una luz tan blanca como la utilizada por Veronsés para decorar varias obras de Palladio 

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En la iglesia de El Redentor, en la fachada utiliza en órden gigante. Dos enormes columnas y dos pilastras sostienen el frontón principal , combinándolas con otras columnas corintias de menor tamaño. Se puede decir que esta iglesia tiene una triple fachada, determinada por le gran frontón central , el pequeño frontón de la puerta y los dos laterales.

 

El proyecto de la iglesia de san pedro en Roma

Cuando Julio II le encomienda el proyecto de San Pedro, bramante lo concibe con grandiosidad romana. Diseña dos naves perpendiculares y de brazos iguales y en el centro una gran cúpula. La cúpula era el reto técnico a los arquitectos renacentistas como la bóveda lo fue a los góticos. En realidad el proyecto parece concebido sólo para soportar una cúpula , pero la maqueta que se conserva vemos que no era todo lo audaz que se cabía esperar ante una planta genial que concebía cuatro brazos iguales, con cuatro entradas: la curva de la cúpula quedaba enmarcada al exterior por un alto tambor de columnas, al modo clásico. Por otro lado en la maqueta vemos abundantes torres y torrecillas que aun enmascararían más la cúpula. Esta abundancia de torres y torrecillas inútiles nos hace pensar en una idea subconsciente de aunar la imagen estereotipada del templo cristiano que daba el gótico lleno de torrecillas y pináculos, con la idea clásica del templo.

Al morir Bramante se encargan las obras al pintor Rafael, quien no hará sino seguir los trazados de Bramante. Pero en 1546 el papa Paulo II encomienda la continuación de las obras a Miguel Angel .En este momento el genial escultor florentino contaba más de 70 años y era considerado el genio indiscutible de Occidente. Se aceptan sus condiciones de modificar el proyecto yen él desaparecen torres y torrecillas. El proyecto queda así dispuesto para recibir el principal tema arquitectónico : la cúpula. Por otra parte ,Miguel Ángel levantará una cúpula sobre tambor , cerrando el círculo de tanteos y experiencias comenzado por el panteón de Agripa y seguido por Santa Sofía en Constantinopla y Santa Maria dei Fiori en Florencia. Se ha creado definitivamente el tipo de cúpula occidental y todas las que le sigan hasta el siglo XX serán a imitación de esta.

Finalmente Miguel Angel proyecta una sola entrada a la que antepone un pórtico adintelado y con doble fila de columnas exentas . Se consagra de este modo la fórmula consagrada por Bruneleschi en la Capilla Pazzi. En la escasa labor arquitectónica de miguel Angel se apreciará más su sentido de los volúmenes antes que los espacios interiores. Es genial la ordenación que hace de la Piazza del Capitolio (Campidoglio) siguiendo el ejemplo de la de Pienza, como también es genial la escalera de la Biblioteca Laurenziana , en la que en un escaso espacio logra dar impresión de gigantesca majestad con la sabia alternativa de dinámicas superficies curvas y estáticas rectas.

LA PINTURA DEL QUATROCENTO . MASACCIO Y BOTTICELLI

 

LA PINTURA DEL QUATTROCENTO. Masaccio y Botticelli

INTRODUCCIÓN. Las grandes innovaciones de la pintura del siglo XV en Italia fueron el uso racional de la perspectiva, la profundización en la psicología de los personajes representados y el gusto exquisito por la naturaleza.

La pintura del Quattrocento pasa por una primera fase correspondiente a la tendencia medieval, encabezada por la obra de Fra Angelico y muy influida por la pintura de Giotto .Sin embargo, a ll largo del siglo XV, la pintura sufre una evolución que dará lugar a la tendencia científica, donde, a partir de la recuperación de elementos grecorromanos a los que se da una nueva interpretación, el uso de la perspectiva es fundamental . Massaccio está al frente de esta corriente.

Sin modelos antiguos que seguir, la naturaleza fue el gran modelo de los pintores del siglo XV, con dos principales líneas. La acusada idealización y la experimentación con la perspectiva, que se convirtió en un modelo para comprender el mundo. Las principales novedades son las siguientes:

• Desde el punto de vista formal, la utilización de composiciones armónicas, frecuentemente el resultado de insertar las figuras en esquemas geométricos, la caracterización psicológica de los personajes al formar parte de una situación argumental, al luz homogénea y los colores armoniosos.
• La temática de esta pintura es variada. Abundan las pinturas religiosas (en iglesias y capillas), la temática mitológica y los retratos y representaciones de temática histórica, donde predomina la narración de acontecimientos heroicos. Se introduce el retrato como consecuencia del culto al ser humano y del afán de los burgueses por inmortalizarse
• En cuanto a las técnicas, además del fresco de grandes dimensiones, también se emplea la técnica del temple sobre tabla y el óleo sobre lienzo, debido fundamentalmente a la influencia flamenca. Este hecho permite conseguir mejores efectos pictóricos y hace que los cuadros sean más fáciles de transportar Como elementos principales destacan el dibujo como definidor de las formas y la luz que, combinados, consiguen plasmar la sensación de profundidad en las pinturas.

La pintura florentina del Quattrocento rompe con la tradición del llamado gótico internacional . Al igual que sucedía en otras ramas del arte, los pintores se sienten inspirados por los lenguajes del clasicismo , buscan la representación del a naturaleza y dejan a un lado el carácter simbólico y distante de la pintura medieval . La carencia de modelos procedentes de la pintura clásica , salvo algunas excepciones en obras murales, hizo que la pintura se fijara en los restos arqueológicos arquitectónicos y escultóricos . Se buscaba plasmar con fidelidad la naturaleza y su tridimensionalidad, a través del estudios geométrico y matemático.

El hallazgo de la perspectiva se manifiesta en todas las creaciones, que aplican el nuevo sistema para obtener una mayor sensación de realidad. A ello se une el estudio del cuerpo humano , del movimiento, de la luz en un período de ensayos que cristaliza en el siglo XVI. Florencia se convierte en el núcleo fundamental de la nueva corriente, aunque pronto surgen otros centros ( Roma, Padua, Perugia) con distintas peculiaridades  

PRINCIPALES PINTORES:

Fra Angélico y la influencia gótica (1387-1455)

Fra Angelico es dependiente de las tradiciones góticas, aunque evoluciona hacia las novedades de la perspectiva, con referentes arquitectónicos y proporciones clásicas.

Su obra está dotada de un fuerte componente espiritual. En ella, sobre todo, en su conocidas Anunciaciones, se aprecian, como hemos dicho, elementos de la tradición medieval, tales como los fondos dorados, la actitud mística de los personajes y las estilización de las figuras.

 Sin embargo, poco a poco se va a ir desprendiendo de estas implicaciones, con los frescos de la leyenda de San Esteban y San Lorenzo (1447-1449) en los que renuncia al decorativismo y pone énfasis en el sentido narrativo de las escenas.

Massaccio y la tendencia científica.(1401-1428)

Sobrenombre de Tomasso Guido di Giovanni, Masaccio está considerado como el iniciador de la pintura renacentista del Quattrocento .Renuncia a la elegancia del arte gótico y se propone recuperar los valores del arte clásico, concentrando ola atención en el volumen de las figuras, a las que dota de un tratamiento escultórico. Por todo ello, Massaccio es una figura clave en el giro renovador de la pintura italiana del Quattrocento; heredero de la sinceridad descriptiva de Giotto, se preocupa de racionalizar la representación mediante la perspectiva, a veces con la ayuda de arquitecturas, abandonando todo decorativismo superfluo en favor de una coherencia visual. Sus figuras son solemnes, macizas y corpóreas, tan rotundas como estatuas antiguas, al tiempo que ocupan un espacio lógico , donde la luz sirve a los efectos dramáticos.

Aplicó una luz homogénea en la representación de los cuerpos y las indumentarias de sus personajes, lo que, junto a una sabia utilización de la perspectiva, dio como resultado unas obras de gran solemnidad, de carácter naturalista y fuertemente escultórico.

Sus pinturas más importantes son los frescos de la capilla Brancaci de la iglesia del Carmine en Florencia, ejecutados entre 1424 y 1428. Representan toda la armonía, el equilibrio, la miméis de la naturaleza. Representan diversas escenas de la vida de san Pedro, en las que a pesar de al simultaneidad temporal , las acciones parecen ordenadas desde un punto de vista único ; y la Trinidad ( hacia 1428), para santa María Novella, un fresco funerario destinado a ser contemplado desde abajo donde el pintor introduce una nueva forma de representación espacial , desarrollada a partir de la disposición pintada de la arquitectura, que imita una capilla.

La influencia de Masaccio: Paolo Ucello, Mantegna y Pero della Francesca.

Paolo Ucello ( 1397-1475)

La línea marcada por Masaccio es la que siguen artistas como Paolo Ucello, preocupado obsesivamente por los estudios de perspectiva, hasta el punto de geometrizar sus composiciones y emplear el color para definir los planos del espacio, de manera que poseen un aire irreal y en ellos combina la tradición decorativa del gótico con la aplicación científica de la perspectiva. .Massacio realizó auténticos escorzos , es decir, redujo las dimensiones de los objetos y figuras por efectos de la perspectiva en sus pinturas más importantes como La Batalla de san Romano ( circa 1456)

Pero della Francesca ( 1431-1506)

La culminación de esta tendencia científica llego con Piero della Francesca, cuya obra se caracteriza por una grandeza monumental conseguida gracias a la perspectiva científica ya una elegante aplicación de la luz ya una elegante aplicación de la luz y el color, que dota de gran sensibilidad a sus figuras y espacios. Por ello Piero della Francesca es posiblemente uno de los más grandes pintores de este primer momento renacentista

Trabajo en Urbino para Federico de Montefeltro, en una corte de sabios y humanistas. El propio duque, al que retrató, aparece en el cuadro Virgen y santos con Federico de Montefeltro, una sacra conversazione, icnografía típica del momento.

Sus obras, como la Leyenda de la Vera Cruz o la Flagelación de Cristo , se caracterizan , además por la ya mencionada perspectiva y grandeza monumental, por una perfecta inserción de las figuras en marcos naturales o arquitectónicos, con cierto hieratismo en la pose, que les proporciona esa imponente solemnidad que mencionábamos; poseen proporciones e indumentarias clásicas y sus expresiones traducen sentimientos personales. En Piero della Francesca se concentra ya toda la complejidad narrativa que la pintura occidental va a tener hasta el siglo XIX.

Sandro Botticelli (1445-1510). La singularidad de Botticelli

El florentino Sandro Filipepi, llamado Botticelli es un pintor culto, de exquisita sensibilidad obsesionado por una belleza etérea, delicada y sutil, plagada de mensajes filosóficos. Su obra se opone al naturalismo científico de Massacio y sus seguidores y recupera algunos elementos del a pintura gótica. Sentimiento delicado , exuberancia decorativa y línea precisa en el dibujo .

Su trayectoria está ligada a la protección que obtuvo de la familia Medici, Lorenzo el Magnífico dirigió la ciudad de Florencia durante los años setenta y ochenta del siglo XV, que son una época mítica del a historia, cunado reunió en su entorno a eruditos como el neoplatónico Marsilio Ficino.

Lorenzo de Medici ”el Magnífico” fallecía en 1492 como uno de los hombres más brillantes y poderosos del Quattorcento. Tenía 43 años y en el momento de su muerte le acompañaban el humanista Angelo Poliziano y lso filósofs Pico della Mirandola y Marsilio Ficino, creador4es del ambiente neoplatónico que había propiciado que “la bellísima ciudad de Florencia, ilustre por ssu riquezas, victorias, artes y monumentos , disfrutase de la abundancia, dela salud y de la paz”. Con anterioridad el había visitado el fanático monje dominico Savonarola que lo había acusado públicamente de arruinar la estado y de sofocar las libertades, implantando una tiranía personal , pero que en el lecho de muerte lo bendijo.

Las obras de Botticelli han de entenderse en ese contexto cultural, su formación humanística se manifestó en sus alegorías, representaciones simbólica de temática mitológica o clásica, como La primavera, El Nacimiento de Venus o Palas y el Centauro. 
Su dibujo eléctrico, recorrido por trazos nerviosos, el movimineto que agita rtodas sus formas, y la trsiteza que asoma a todos los rostros que pintas son a un timepo expresión del talante del pintor y de la  melancolia que invade la vida florentina de fin de siglo, cunado se tiene conciencia de la inferioridad política y militar  de las viejas repúblicas frente a los nuevos estados nacionales que se están configurando en varias nacines europeoas 8españa, Francia) mientras que Italia permanece parcelada. 

EL PARTENÓN

Análisis y cometario de la obra de arte. El Partenón

Analiza y comenta la imagen nº 1

El Partenón

A continuación vamos a desarrollar la primera parte del ejercicio 1, correspondiente al análisis de una obra de arte , en  ella desarrollaremos el análisis técnico y formal , para dejar el comentario  de la obra para un segunda parte .

ANÁLISIS

 La lámina 1, es una fotografía de un edificio religioso griego, el llamado Partenón, situado en la Acrópolis de Atenas. La fotografía está tomada desde un punto de vista axial desde donde podemos contemplar tanto la fachada principal como su desarrollo en profundidad. Esto tiene una finalidad que es destacar el volumen del edificio, que comentaremos más abajo/adelante.

Es un edificio de tipo religioso griego, un templo  , octástilo y períptero, que además cumple con la proporción clásica fijada ya desde el templo de Zeus en Olimpia , de 2N+1, es decir , el lateral lo componen el doble de las columnas de la fachada más una. Más adelante volveremos a incidir en este aspecto de la proporción, dada la importancia que tiene para el artista griego .

El material, a primera vista , podemos afirmar que es piedra, seguramente mármol de Paros , aunque la distancia del  fotografía no nos lo permite asegurar.

El sistema arquitectónico es arquitrabado  o adintelado, basado en la columna y el dintel.

El material  como ya hemos dicho es el mármol trabajado en sillares regulares, isódomos y dispuestos a soga y tizón. No se puede apreciar en la fotografía pero la habilidad  de los artesanos griegos llega a desarrollar un sillar específico para las esquinas en forma de L. Los sillares quedaban unidos unos con otros mediante grapas de bronce o hierro . El muro predomina así sobre el vano , con un paramento pulido y trabajado .

Los soportes , de abajo a arriba, son los que siguen.

El krepis o crepidoma,  el escalonamiento propio de los templos griegos que permitía el acceso por todas sus lados. La columna estriada, sin basa, compuesta por varios tambores y con capitel formado por ábaco y collarino. Estas columnas presentan el típico engrosmiento central , éntasis , pero estilizado .  El ábaco, cuerpo rectangular entre la  columna y el arquitrabe, no sobresale mucho ,  realzando el la proporción del templo griego.

El entablamento  con arquitrabe liso  y alternancia de triglifos, que caen sobre cada columna,  y metopas.

 En las fachadas anterior  y posterior, sobre el entablamento  se dispone un frontón  triangular  y en su interior un tímpano

Las cubiertas han desaparecido, pero podemos suponer que estaban formadas por una armadura de madera sin tirantes que darían lugar a una cubierta a dos aguas, recubierto con tejas. En el caso del Partenón tenemos que señalar que estas tejas estaban hechas también de mármol , resaltando del carácter único de este edificio . Además el tejado presentaría una disposición de acróteras y antefijas que se han perdido. Este tejado a dos aguas provoca, como hemos dicho la existencia de frontones en las fachadas anerior y posterior . Interiormente es probable que llevase un cielorraso horizontal, con casetones.

Los elementos decorativos son sobrios , de tipo geométrico y figurativo . Fundamentalmente son esculturas localizadas en los frontones , en las metopas y en el friso corrido que se sitúa sobre la cella .Seguramente iban acompañadas de color ( policromía)  pero en su gran mayoría se han perdido . Lo que si que se conserva son los restos de estuco y pintura que decoraban el Partenón , aunque no se observa en la fotografía. Esto le proporcionaba un carácter distinto y un colorido especial  al que estamos acostumbrados. Hay que destacar que la decoración aparece en los miembros arquitectónicamente inactivos y se adecua perfectamente al conjunto , sin entorpecer la apreciación de la belleza estructural .

Los valores plásticos están muy cuidados .Las proporciones responden a valores clásicos  según indica el número de  columnas frontales y longitudinales. Todos los elementos se relacionan con una medida común: el módulo. Este módulo distribuye las medidas y proporciones de todo en edificio a partir de uno de los tambores de las columnas

El resultado es un gran equilibrio y armonía , pensados a escala humana, que llegan a su culminación con los refinamientos ópticos que incorpora Partenón. Estos, por citar algunos, son el estilobato  y entablamento ligeramente recortados en el centro  para evitar el abombamiento que presentan las líneas horizontales en la distancia; además los  ejes de las columnas están  inclinados hacia el interior para evitar la sensación de que el edificio se vaya  a caer hacia delante; de igual manera, las columnas de los extremos   son más anchas para evitar que, al aparecer recortadas, den sensación de ser más ligeras que el resto.

Volviendo a lo anterior podemos resumir el predominio de la simetría, esta es  tanto anterior y posterior como longitudinal, tanto en la planta como en los elementos de alzado.

COMENTARIO

Una vez resueltos todos los aspectos técnicos y estéticos, abordamos la segunda parte del ejercicio, esto es, el comentario de este edificio en  sus aspectos  más relacionados con nuestra disciplina, la Historia del Arte.

El Partenón fue edificado entre los año 450 y 430 a.C.  en la Acrópolis de Atenas, y vino a sustituir al antiguo Partenón destruido por los persas. Estaba hecho para albergar la estatua crisoelefantina que había hecho Fidias de Atenea Partenos, que significa en griego “virgen “ y da nombre al templo . E mantuvo en relativo buen estado de conservación gracias a que fue iglesia bajo el dominio bizantino  y luego mezquita persa, perol os venecianos lo volaron el año 1687. Entre 1801 y 1803 l embajador inglés en Turquía, lord Elgin, compró la mayor parte de la escultura que quedaba para llevársela a Londres , donde se conserva actualmente en el Museo británico.

Se considera a El Partenón como el más puro ejemplo de la arquitectura griega, por su  dominio de la técnica edilicia y su maestría en   el tratamiento de las proporciones, pero  además recoge un complejo programa iconográfico que convierte a este edificio en el paradigma de la arquitectura  y en una de las grandes obras de arte de la civilización occidental.

En ella, tanto los arquitectos Iktinios y Kaliktates, como el escultor Fidias, supieron recoger la interpretación que los ateniense y, sobre todo, Pericles dieron a la victoria sobre los persas . Con la edificación del nuevo Partenón, el templo de su diosa tutelar, es la ciudad de Atenas la que afirma su orgullo y su protagonismo en la Guerras Médicas. En ellas, la razón ha vencido a la barbarie( tema de las metopas)  y lo ha conseguido gracias a que sus ciudadanos tiene  conocimiento de sus fuerzas y de sus límites, que están, por un lado , en la pertenencia a la polis ( cuyos ritos ancestrales se conmemoran en las panateneas)  y en reconocer la superioridad de los dioses ( Nacimiento y triunfo de Atenea). La forma en la que los dioses y hombres se representan  confirman este confiado equilibrio  (puedes ver el comentario sobre la escultura de El Partenón aquí)

Por otra parte el Partenón es un templo dórico  con influencias jónicas (influencias  que se aprecian en las columnas estilizadas  o en el friso corrido interior) que pudieron aludir a la hermandad que los atenienses querían establecer con las ciudades de Asia Menor (la Jonia)  las primeras amenazadas por los persas y a la que Atenas pretende tutelar en el futuro

Las correcciones ópticas revelan el nivel de sutileza y refinamiento que alcanzó la Atenas del siglo V a.C., en la que todos los esfuerzos se vuelcan hacia la consecución de obras que estén en función del ser humano  y que resulten agradables a lo que él puede percibir.

Análisis y comentario de una obra de arte. “El sacrificio de Isaac” Lorenzo GHIBERTI

Análisis y comentario de una obra de arte. “El sacrificio de Isaac” Lorenzo GHIBERTI

ANÁLISIS

A continuación se desarrolla el análisis y comentario de una obra de arte. En este caso la obra propuesta el el sacrificio de Isaac un relieve esculpido en bronce del escultor y orfebre Lorenzo Ghiberti .Ghiberti , quien vivió entre los años 1378 y 1445, fue un escultor del Quattorcento italiano , y tanto él como Donatello , son los más ilustres ejemplos de la escultura quattrocentista italiana.

La obra es un relieve situado sobre un cuarterón de bordes lobulados que se inserta en una de las puertas del baptisterio de san Juan , en Florencia.

Como hemos dicho se trata de un bronce , por lo que hablamos de una técnica  característica, del fundido . La  obra una vez fundida  sería  cincelada y pulida .Esta es una obra en la que combina el alto relieve con el medio relieve, pues las superficies sobresalen  y se marcan las sombras y la profundidad.  En cuanto a la temática tenemos que identificar la escena como una temática puramente religiosa, pues recoge la escena del sacrificio de Isaac en la que Abraham ,siguiendo los designios de Dios se impone a inmolar a su único hijo , Isaac, en un altar .

Compositivamente tenemos que destacar que es una escena cerrada( centrípeta)  ,  pero en la que empiezan a abundar elementos que antes estaban fuera de las preocupaciones de los artistas medievales, como son el intento de captar la profundidad del paisaje, la obsesión por el espacio y el redescubrimiento de la anatomía humana. Compositivamente predominan las líneas diagonales, que incorporan movimiento a la escena y que se cruzan en el centro de la escena, a esto se une la tensión dominante , que a pesar de ser  una escena religiosa no niega tensión interna en el caso de los cuerpos de padre e hijo que se abren en una V   marcada por el espacio abierto , a lo que seune las curvaturas que , unidas a las curvas propias del marco, dan un aire nuevo de movimiento. Otro aspecto novedoso es la aparición de la profundidad, pues se observa aquí el escorzo del ángel  que viene a detener a Isaac, así como la aparición de varios planos  de profundidad ( un primer plano , con los sirvientes, de espaldas , un segundo plano con la ecena de Abraham e Isaac, y por último un tercer plano con el angel al  fondo) A esta profundidad ayuda la inserción de los primeros intentos de perspectiva , como es el ara , que induce a pensar en un untento de perspectiva unifocal  y punto de fuga . Además Ghibereti llega a diferenciar dos escenas situándolas en el mismo espacio , pues la diagonal que sutúa en medio  separa la escena donde los dos mozos esperan de manera relajada donde predomina la distensión , y la escena del sacrificio , donde predomina la tensión

Caso aparte , pero también muy novedoso es la  inserción de sentimientos en la escena, como es el caso de esa tensión marcada en el conjunto de Abraham-Isaac , justo en el momento del fatal desenlace.

Pasamos a comnetar ahora los aspectos iconográficos del tema representado. La elección de esta escena no es casual . Sino que viene determinada por el concurso que se estableció para elegir al artista que debía ocuparse de elaborar las segundas puertas del vbaptisterio de Florencia. En este caso se elgió representar una escena en concreto del Libro de Génesis, el Sacrificio de Isaac. Así el jurado determinóó que elementos y personajes debían ser representados ( Abraham e Isaac, el ara, la montaña, el ángel...) y quedaba a la elección de cada artista el cómo representarlo.Ghiberti aquí opta por una representación de  aires clásicos  que podemos ver en  el estudio anatómico de Isaac o en los ropajes de Abraham , así como los dos mozos que acompañaban . Ghiberti elige representar la escena para focalizar  la idea del sacrificio necesario , recuperando ideas de la antigüedad clásica ( el sacrificio de Ifligenia, un motivo pagano )  conjugándola en este caso con la religiosidad cristiana, algo , por otro lado muy caratcterísitoc del Renacimineto y del  carácter ilustrado del Ghiberti , un auténtico hombre  renacentista. Ghiberti elige representar esta escena de manera fiel a los textos bíblicos, como podemos ver a continuación:

Libro del Génesis

Sacrificio de Isaac

22:1 Después de estas cosas sucedió que Dios tentó a Abraham y le dijo: "¡Abraham, Abraham!" El respondió: "Heme aquí",
22:2 Le dijo: "Toma a tu hijo, a tu único, al que amas, a Isaac, vete al país de Moria y ofrécelo allí en holocausto   en uno de los montes, el que yo te diga."
22:3 Se levantó, pues, Abraham de madrugada, aparejó su asno y tomó consigo a dos mozos y a su hijo Isaac. Partió la leña del holocausto y se puso en marcha hacia el lugar que le había dicho Dios.
22:4 Al tercer día levantó Abraham los ojos y vio el lugar desde lejos.
22:5 Entonces dijo Abraham a sus mozos: "Quédense aquí con el asno. Yo y el muchacho iremos hasta allí, haremos adoración y volveremos donde ustedes".
22:6 Tomó Abraham la leña del holocausto, la cargó sobre su hijo Isaac, tomó en su mano el fuego y el cuchillo, y se fueron los dos juntos.
22:7 Dijo Isaac a su padre Abraham: "¡Padre!" Respondió: "¿qué hay, hijo?" — "Aquí está el fuego y la leña, pero, ¿dónde está el cordero para el holocausto?"
22:8 Dijo Abraham: "Dios proveerá el cordero para el holocausto, hijo mío." Y siguieron andando los dos juntos.
22:9 Llegados al lugar que le había dicho Dios, construyó allí Abraham el altar,   y dispuso la leña; luego ató a Isaac, su hijo, y le puso sobre el ara, encima de la leña.
22:10 Alargó Abraham la mano y tomó el cuchillo para inmolar a su hijo.
22:11 Entonces le llamó el Ángel del Señor desde los cielos diciendo: ¡Abraham, Abraham!" Él dijo: "Heme aquí."
22:12 Dijo el Ángel: "No alargues tu mano contra el niño, ni le hagas nada, que ahora ya sé que tú eres temeroso de Dios, ya que no me has negado tu hijo, tu único."
22:13 Levantó Abraham los ojos, miró y vio un carnero trabado en un zarzal por los cuernos. Fue Abraham, tomó el carnero, y lo sacrificó en holocausto en lugar de su hijo.
22:14 Abraham llamó a aquel lugar "el Señor provee", de donde se dice hoy en día: "En el monte "el Señor provee""
22:15 El Ángel del Señor llamó a Abraham por segunda vez desde los cielos,
22:16 y dijo: "Por mí mismo juro, oráculo del Señor, que por haber hecho esto, por no haberme negado tu hijo, tu único,
22:17 yo te colmaré de bendiciones y acrecentaré  muchísimo tu descendencia como las estrellas del cielo         y como las arenas de la playa,   y se adueñará tu descendencia de la puerta de sus enemigos.
22:18 Por tu descendencia se bendecirán todas las naciones de la tierra,    en pago de haber obedecido tú mi voz."
22:19 Volvió Abraham al lado de sus mozos, y emprendieron la marcha juntos hacia Berseba. Y Abraham se quedó en Berseba.

COMENTARIO

Se  reconoce en esta obra uno de los actos inaugurales del Renacimiento por varias razones. Primero destacaremos  la recuperación del sentido clásico , tanto en el  modelado   de las figuras como por la aparición de una paisaje que nos recuerda los relieves del mundo romano , además por la elección de un tema ( el sacrificio ) en el que se elige representar un momento de máxima tensión icorporando la psicologia a la narración de una historia sagrada. Ghiberti, a pesar de sus diferencias con Bruneleschi ( mas conservador que este)  restaura ese sabor clasicista que desde ahora  retomará la escultura quattrocentista.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE: EL TRIBUTO DE LA MONEDA

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Análisis y comentario de una obra de arte :

El Tributo de la Moneda. Masaccio

A continuación iniciamos el análisis y comentario de una obra de arte. Nos disponemos primero a analizar formalmente y estilísiticamente la obra para abordar después el comentario de sus aspectos más relevantes, desde la perspectiva de la historia del Arte.

La obra que vamos a analizar es “El tributo de la Moneda” del pintor Masaccio, uno de los pintores más importantes del Renacimiento italiano y junto con Botticelli uno de los genios que dominan el Quattrocento.

ANÁLISIS

Es una obra pictórica, en la que se ha usado la técnica al fresco sobre los muros de la iglesia del Carmine en Florencia. El conjunto esta organizado en torno a un retablo gótico y , está constituido por varios frescos, de los cuales éste se amplia a la izquierda del retablo. Representa uno de los episodios del a vida de Cristo narrado por san mateo, en el que se cuenta el milagro producido cunado el recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de la alcabala y este ordeno al apóstol san Pedro que sacase la moneda con que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en escena, hacho que definitivamente ocurrió. La técnica al fresco se seguirá usando en el Renacimiento así como el temple sobre tabla (Botticelli) aunque se irá imponiendo poco a poco la técnica al óleo por las facilidades que esta comportaba ( sobre lienzo, transportable y permite correcciones)

Sobre la escena representada tenemos que decir que se tata de una escena religiosa, del Nuevo Testamento , en la que recoge momentos de la vida de San Pedro. Más adelante analizaremos más profundamente el tema tratado y sus implicaciones.

Como hemos dicho se utiliza la técnica la fresco , en la cual se utilizan unos colores planos, pero en los que se incorporan matices y gradaciones ( grisalla) para incorporar el volumen además del uso de la luz, consiguiendo una sensación de volumen mediante un modelado estatuario , con efecto de tridimensionalidad, pareciendo figuras muy corpóreas. Además estos colores varían de tal manera que en primer plano se sitúan colores más cálidos, mientras que en el fondo los colores tienden a ser más fríos, profundizando en ese sentido de profundidad y perspectiva que masaccio tanto cuidó en sus obras. Así podemos decir que ,técnicamente, es el primer artista que construye con el color, preocupándose del volumen y de los efectos tridimensionales.

Respecto al dibujo tenemos que decir que aunque se ha preocupado por la gradación del color, es todavía el dibujo y la línea los que predominan en la obra , aunque es una linea suave, a veces ondulante, que lo alejan de la rigidez medieval; aquí otra vez tenemos que recordar la herencia de Giotto.

Masaccio crea una composición cerrada siguiendo los esquemas que ya había aplicado Giotto, pero en la que logra compartimentar el espacio en tres momentos distintos, esto es, se representa en una misma escena el inicio , desarrollo y desenlace de un episodio bíblico , el del tributo de la moneda. A la hora de representarlo se ha elegido poner en el centro el inicio , es decir, el momento en el que el recaudador romano pide el impuesto y Cristo imperativo manda a Pedro a cumplir con esta obligación. Sitúa Masaccio este momento en lugar central , priorizando la actitud de Cristo “ al César lo que es del César” frente al milagro , que se narra en el espacio izquierdo , desde un punto de vista casi dogmático. Es esta escena , cuando Pedro recoge el óbolo del pez muerto , que como hemos dicho constituye el verdadero milagro pero que se trata aquí de manera marginal. El tercer momento, a la derecha, cuando Pedro accede a pagar al recaudador

Además de la composición por escenas tenemos que decir toda está enmarcada por el fondo de montañas esquemáticas, así como por el edificio que aparece en el lado derecho, creando esa perspectiva matemática que Masaccio desarrolló .Consigue además dominar la inserción de figuras cada vez más pequeñas en distintos planos y además incorpora una arquitectura que ayuda a determinar el punto de fuga . El contraste paisaje-arquitectura hace que la escena se amplíe . Las cuestiones compositivas están resueltas siguiendo los dictados matemáticos de la perspectiva que había enunciado Bruneleschi , lo que resultó totalmente revolucionario para el mundo de la pintura, como después recordaremos. Toda la escena está unificada por las líneas en diagonal que cierran toda la composición.

Destaca también la captación psicológica de los representados, con una clara comunicación entre los representados , sobre todo las actitudes de Pedro y Cristo, unido al hecho de prescindir de todo lo anecdótico o secundario, así como el sentido de unidad existente entre Cristo y los apóstoles que crean una apariencia de masa compacta, y a la aparente isocefalia ( recurso medieval) pero en la que la figura de Cristo no se destaca por su altura o tamaño sino por su monumentalidad y atracción de las miradas y líneas compositivas. Ello recalca el sentido de solidaridad y unidad entre Cristo y los apóstoles

COMENTARIO

Los frescos del iglesia del Carmine suponen el inicio de la pintura moderna gracias a las aportaciones de Masaccio que tiene en el campo de la pintura, la misma importancia que la cúpula de santa Maria dei Fiori o las esculturas de Donatello.

Masaccio pertenecea la generación de jóvenes artistas que en el siglo XV florentino permite el paso del lenguaje ggóticol rerenacentistala denominada generación experimental , junto al arquitecto Bruneslchi y al escultor Donatello .

Aunque nació en el seno de una familia noble del norte de Italia, se formó en Florencia, donde coincidió con Bruneleschi , con el que le uniría una profunda y prolífica amistad

Los textos lo mencionan por primera vez como pintor en 1422 , año en el que ingresó en el Gremio de Florencia, pero a pesar de esta fecha temprana puede decirse que con Masaccio comienza un nuevo estilo pictórico , lo que permite hablar de un auténtico genio, que a los 25 años ya había madurado su propio estilo

Los frescos de la capilla Brancacci, en la iglesia florentinaa del Carmine, son , sinningunaa duda, una obra maestra. Felipe Brancacci era un acaudalado comerciante de sedas que quería decorar su última morada con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro . El encargo debe compartirlo Masaccio con Masolino de Panicale y la historia más famosa es la que hemos comentado del tributo de la moneda, junto con otros , como la expulsión del Paraíso .

En esta escena ( el tributo) Masaccio elige dar predominancia al a postura ética de Cristo, que manda pagar el impuesto y cumplir así con las obligaciones cívicas de manera ejemplarizante antes que al propio milagro. Este tema se ha interpretado como una alusión al nuevo sistema fiscal impuesto en la época, ante la necesidad de la Iglesia de obtener nuevos recursos.

A destacar en esta obra son , por un lado , el nuevo sentido de la perspectivaatemática, desarrollada conjuntamente por Masaccio y Bruneleschi, así como la captación psicológica de los personajes, como la monumentalidad de los personajes.