ANAÁLISIS Y COMNETARIO DE UNA OBRA DE ARTE. EL PANTEÓN DE AGRIPA.

Análisis y comentario de una obra de arte. El Panteón de Agripa.

Los dibujos que a continuación se exponen corresponden a una obra arquitectónica que, en planta, muestra tres elementos:

• Pórtico de acceso, sobre un crepidoma de cinco escalones formado por 16 columnas, 8  en el frente  y  en dos hileras interiores, queda así dividido en tres naves, la central más ancha y larga- tres intercolumnios, que las laterales – dos intercolumnios-
• Propyilion, constituido por dos cuerpos alargados, con grandes nichos. Sirve de nexo entre el pórtico  y el cuerpo principal.
• Rotonda, de planta circular  u gruesos muros, que se animan con retranqueamientos, semicirculares y rectangulares, nichos y columnas.

El alzado y dibujo perspectivísitico  muestran el cuerpo circular , cilindro de 43 , 20 m de diámetro, coronado por un cúpula de iguales medidas: el dibujo, además indica su articulación interna.

Por último, la reconstrucción exterior permite apreciar  el remate del pórtico , con frontón, el retranqueamiento del cuerpo cúbico, así como la apariencia externa  de la rotonda y cúpula.

ANÁLISIS

El material no es posible reconocerlo  por el dibujo, sin embargo, las características de la construcción nos permiten  aventurar que sea hormigón con cascotes- más pesados en le muro que en la cubierta- , y ladrillo ( utilizado en los arcos y revestimiento interior) La columnata, cornisas, pavimento y , en general, e interior, llevaría piedra noble ( mármoles).

Dentro de los elementos constructivos destacamos los siguientes:

El muro es muy grueso , aunque no macizo ni continuo, y en él están embebidos ocho grandes machones, poco apreciables a primera vista . Carece de vanos a excepción de las puertas.

Los soportes reales son los ocho pilares ya mencionados, de gran tamaño y en parte huecos, que corresponden a un complicado sistema de descarga no muy bien conocido. Están disimulados en el interior del muro, por lo que parece que son las delgadas columnas  adosadas a las hornacinas las que hacen la función sustentante, cuando en verdad son más decorativas que estructurales.

Aparecen también columnas y pilastras corintias en el pórtico.

Los arcos de medio punto tiene un papel fundamental en la cubrición , pero apenas son visibles.

Las cubiertas son e diversos tipos:

• Armadura en el pórtico.
• Bóveda de cañón en el pequeño tramo de la entrada.
• Cúpula semiesférica en el cuerpo principal, que es la más interesante. Se apoya en un tambor cilíndrico , articulado con macizos y vanos alternados, arranca de una cornisa a la mitad de la latura total, y acaba e un óculo redondo de iluminación.

Tiene un gran diámetro (  43, 20 m)  y se adelgaza y aligera al elevarse 8 en parte por el material que se utiliza, en parte por los casetones decorativos).

Es una gran obra de ingeniería, construida según un profundo conocimiento de la técnica. Destaca en particular el complicado sistema que se emplea  para repartir su peso , basado en tres series de arcos de descarga, superpuestos y alternados, pero carece de costillas u otros arcos de refuerzo.

La complejidad de la construcción queda oculta, y aparenta un peso inferior al real, ya que el efecto visual conseguido es que se apoya en las esbeltas columnas  de las hornacinas.

Exteriormente parece una cúpula rebajada y se cubre con tejas.

Los elementos decorativos tiene gran interés en los interiores y se definen por el refinamiento y la variedad cromática. 

El muro está ornamentado con elementos arquitectónicos –columnas, entablamentos, frontones, ….- posiblemente realizados en materiales nobles, en especial mármoles de colores.

La cúpula se decora con casetones, que acentúan su forma esférica y su concavidad , pues en cada círculo son de menor tamaño  y resaltan el efecto de la perspectiva. En la parte superior se ha dejado liso el casquete y el óculo se enfatiza con un anillo.

Aunque no se aprecie en las ilustraciones  cabe suponer la existencia de decoración en el pavimento  con temas geomét5ricos.

El exterior es muy simple en la decoración, que se reduce a tres cornisas. Se aprecian los arcos de descarga que desvían  el peso de la cúpula a los pilares, pero seguramente estaría ocultos por un revestimiento de estuco.

Los valores plásticos están muy cuidados.

Las proporciones son colosales y firmes y generan estabilidad, en especial en la rotonda, que es un ejemplo de equilibrio y armonía.

Es notable la alternancia rítmica que se ha observado tanto en la articulación de la parte baja del muro , donde se suceden macizo-hueco  precedido de dos columnas,  como en el tambor, en el que apreciamos macizos cuadrados , coronados por re4ctánculos y vanos rectangulares con frontón triangular.

Existe simetría axial  gracias la pórtico que transforma  la planimetría típica  de una forma circular, a la vez que marca la frontalidad del edifioc .

Los volúmenes exteriores son masivos , se proyectó para ser insertado en un entrono urbano  que apenas `permitía su apreciación , por lo que están poco articulados.

El espacio interno es, posiblemente, el elemento más original , pues se trata de una edificio que se juzga desde el interior de la rotonda.

Es un espacio estático y grandioso , el dominio de la curva, tanto en plata como en lazado , crea un volumen esférico y direccionalidad radial , que se acentúa con la combinación de diversos elementos – nichos y hornacinas de las partes bajas del muro, casetones de la cúpula dispuestos en filas concéntricas…- siendo también importante el papel desempeñado  por el lucernario cenital , que hace rotar la luz a lo largo del día, dando además un carácter difuso y tranquilo.  El pórtico de la entrada origina  una dirección longitudinal  hacia el ábside del fondo  y elimina toda posible brusquedad en el tránsito  desde el exterior  hasta el cuerpo principal

COMENTARIO

La clasificación estilística de la obra la haremos basándonos , especialmente, en la sabiduría técnica, manifestada en el sofisticado equilibrio de pesos y  fuerzas de la enorme cúpula, el interés puesto en las frontalidad y axialidad del edificio   y en la definioc del espacio interno . Todos estos rasgos nos llevan al arte romano , ya maduro, del Alto imperio, s.II de nuestra era.

Su forma pura y simple, basada en la esfera  y el cilindro, y su complejidad constructiva tiene un carácter excepcional  y permiten identificarla en una forma concreta: el Panteón de Agripa.

Se trata de unas edificio religioso , un templo dedicado a diferentes divinidades cuyas estatuas estarían colocadas en los siete nichos  que se alternan en la parte inferior del muro ,. Y se ha dispuesto una forma circular para que ninguno  sobresalga  respecto a los demás. No se sabe con exactitud qué dioses recibieron culto allí , pero se ha aventurado que fueran  los antecesores divinos de la gens Julia ( ente ellos marte  y venus)

Como es habitual en al arquitectura romana se aúna la finalidad religiosa con la política. Su magnificencia es testimonio del poder y la gloria de Roma.

La historia de su construcción comienza en la época de Augusto , cunado su ministro y yerno Agripa mandó su realización, en pleno campo de Marte, como homenaje al emperador, pues hay una inscripción en el friso del pórtico que así lo indica, junto con una fecha de ejecución. Año 27 a.C.

En el incendio del año 80 sufrió grandes desperfectos , siendo restaurado en época de Domiciano  ( 81 al 96) Volvió a incendiarse en época de trajano  y se reconstruyó totalmente por le emperador Adriano , según planteamientos arquitectónicos diferentes a los anteriores. Las marcas de los ladrillos bipedales que se han utilizado permiten establecer  una fecha exacta : entre 115 y 127  de nuestra era. Datamos  en consecuencia la obra en el siglo II, a pesar de lo que indica la inscripción ya mencionada y al testimonio de Plinio , que también lo atribuyó a Agripa. En los inicios del siglo III sufrió pequeñas restauraciones  ( bajo Septimiio severo y Caracalla), que no aportan ningún cambie sustancial , pero que son también conmemoradas en una inscripción. Este edificio constituye un magnifico ejemplo  de cómo en la arquitectura romana los nuevos materiales- hormigón, ladrillo…- cuyo uso refleja el espíritu utilitario de esta civilización , perite crear nuevos  espacios , rompiendo con las limitaciones derivadas de la “tiranía del ángulo recto”.

 Los primeros templos romanos se basaron en los templos giregos y etruscos . El Panteón, sin embargo, nos da un modelo diferente. Sintetiza la arquitectura religiosa arquitrabada y solemne de los templos clásicos , que podemos ver en el pórtico, bastante convencional , con un espacio innovador, el de la rotonda, en el que aparecen plata centralizada y cubierta curva , y  además esta relacionado con materiales no pétreos . Se han aplicado principios ya experimentados en al arquitectura civil ( termas, palacios…) consiguiendo algo que podemos definir como la antítesis del templo griego.

Se le ha achacado falta de compenetración constructiva y formal  entre las dos partes de la edificación , pero esta tan solo es aparente : el cuerpo situado en tre el pórtico y la rotonda actúa como una transición y da lugar  a una interpretación de las formas, dentro de una concepción total – Gracias, además, a esta dualidad se han podido crear dos ejes, el longitudinal, del pórtico al ábside del fondo , y el vertical, del centro de la pavimento del a rotonda al óculo cenital, que aúnan en una misma obra dos  dimensiones. La terrenal y la celeste.

Es la única obra  de este tipo que ha llegado hasta nosotros intacta en lo esencial, lo que la convierte en el mejor ejemplo para apreciar  las aportaciones de la arquitectura romana en cuanto a la creación de nuevos volúmenes generados por la cúpula.

La cúpula tiene la armonías de la perfección geométrica: teóricamente el espacio ideal  es el que se encierra en una forma esférica.

LOS RELIEVES DEL ARA PACIS AUGUSTAE

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Análisis y comentario de una obra de arte. Los relieves del Ara Pacis Augustae.

ANÁLISIS

A continuación procedemos al análisis formal del una obra de arte, es el conjunto de relieves del Ara Pacis de Augusto. Como hemos dicho son un conjunto de relieves que forman parte de una estructura llamada el Ara Pacis o Altar de la paz. Dicho altar estaba situado en Roma en el Campo de Marte y fue levantado en tiempo de Augusto por el senado Romano para conmemorar el fin de las guerras en Hispania. Como hemos dicho se trata de una altar en piedra, pero nosotros procederemos a analizar los relieves que se encuentran en el exterior del mismo.
En la fotografía podemos observar que se trata de un relieve con distintas profundidades, por ello podemos hablar de altorrelieve en las figuras delanteras y bajorrelieves en las figuras del fondo. Es de destacar que se llegan a disponer incluso tres planos de profundidad, algo que desarrollaremos más tarde.Como hemos dicho se trata de una obra escultorica,en forma de relieve ,  realizada en mármol siguiendo la técnica de la talla.
Podemos idntificar dos frisos separados por una linea de grecas entrelazadas que recorren los lados. Es el friso superior el que atrae nuestra atención -.En él se sitúa la escena que procedemos a comentar: corresponde a uno de sus lados alargados  y en el se ha representado a la familia imperial acudiendo a una procesión que encabeza el propio Augusto. En el friso inferior se ha representado elementos vegetales y animales con un carácter serial pero sin renunciar a detalles pintorescos ( lagartos y otros animales se esconden entre el follaje). la escena de la procesión imperial se ha representado siguiendo  las caracterísitcas propias del relieve romano . es decir su caracter contínuo y sin interrupción. Tan solo las esquinas marcan el inicio y el final de la procesión. Estos relieves estan trabajados  con una alta pericia técnica y nos recuerdan a aquellos del Partenon en los que se representaba la sagrada procesión de las Panateneas. Más tarde volveremos sobre este punto en el apartado del comentario.

Técnicamente tenemos que resaltar la inclusión de dsitintos planos en la misma escena que permiten crear espacio y profundidad sin necesidad de recurrir a arquitecturas o perspectivas. Este uso de los distintos planos nos recuerda también al friso de las panateneas (ej escena carrera de caballos, o incluso la asamblea de los dioses) y nos hace inclinarnos hacia una autoría griega de la obra, pero eso lo discutiremos más adelnate.Volviendo al tema de la talla  el autor o autores  tallan las figuras mas adelantadas como un altorrelieve, mientras que las figuras del fondo estan sólamente esbozadas mediante finas incisiones, a la manera de los bajorrelieves, creando esa perspectiva ilusoria tan caratcerística del relieve romano ( Ej. los relieves del arco de Tito) Se estabñlece aquí además una inicial  perspectiva jerárquica , al situar ne primer plano a loas personajes principales, aunque en este caso no hay distinto tamaño, como sucederá ne las fases finales dle Imperio ( Ej: relieves del arco de Constantino)  El relieve , por definición, está sometido a la arquitectura de la que forma parte- el ara-  y como tal forma un friso corrido . Pero es de destacar que las figuras conservan su propia proporción ,no necesitan adaptarse al marco arquitectónico , sino que ganan independencia y protagonismo por sí mismas.
las supericies son lisas y pulidas y en ellas la luz resbala sin marcar demasiados claroscuros, y cuando esto sucede no son luces contratadas sino suaves.
En cunato al  sentido del volumen hay que decir que los personajes son capaces de crear volumen interno con la disposicion de las anatomías, así coom esa profundidad de la que antes hemos hablado.
El movimiento de las figuras es totalmete pausado y relajado, recalcando esa huella griega que mencionábamos antes,  en este sentido la deuda con el friso de las Panateneas es total .
La luz, coom hemos dicho, es homogénea y suave.
Esta es un tipo de escultura totalmente figurativo, que combina al a perfección el naturalismo propio de la retratísiitca romana con el idealismo griego - los personajes son totalmente reconocibles e identificables: Augusto,  y su esposa Livia, su yerno Agripa, Tiberio,etc . El trato singularizado de los participantes es evidfente ne caratcerizaciones como la de los sacerdotes- que llevan cascos-  o la del niño que se agarra tímidamente a Agripa re4clamando ser cogido en brazos. Esta síntesis entre el idealismo griego y el  realismo romano lo desarrollaremos más adelante en profundidad en el apartado del comentario.
Por ultimo,  el tratamiento de los paños, que son casi una copia de aquellos que Fidias - los paños mojados- desarrollase en el siglo V a.C.
COMENTARIO

El Ara Pacis, el Altar de la paz, se construyó  apropuesta del Senado para celebrar el retorno victorioso de Augusto tras las guerras en Hispania - las Guerras Cántabras- y en la galia y para glorofocar la grandeza de Roma. Todo el edificio es un mensaje propagandístico de la grandeza dee Roma. En el edificio no solo se representa a la familia imperial de Augusto ,sino que  en el lado pouesto a este se sitúa la procesión de los senadores. Además dos figuras integradas representan Romay la Paz. En la parte forntal y trasera cuatro relieves enlazan la procesión con el pasado mítico de Roma. En ellos se representa a tellus-la Tierra- , a la Loba capitolina amanatando a Rómulo y Remo , a Eneas realizando un sacrificio , e incluso a la diosa Roma.
Con el Ara Pacis los romanos inauguran uno de los apartados más gloriosos del arte romano: el relieve histórico. Para el romano la voluntad de reflejarse y dejar constancia de los hechos en los que participa es una necesidad ( la historia será uno de los grandes géneros literarios romanos ) y es la historia conteporánea a él la que será una fuenet de inspiración ( frente al mito en el arte griego) El Altar de la paz no es el inicio , pero sí que es uno de sus puntos de partida. Como antecedente claro tenemos que señalar el Ara de Domitius Ahenobarbus en el Museo del Louvre, y como herederos de él señalaremos los relieves del arco de Tito y más adelante los relieves de la columna trajana.
Pero si algo  tenemos que destcaar en los relieves del Ara Pacis es la inauguración de la corriente aticista romana. Era habitual que los romanos expresaran sus crrencias  basándose en modelos estéticos giregos, aunque en el Ara Pacis ya son obvias la frialdade academicista y las reiteradas alusiones políticas propias dle arte de la época de Augusto.
El Ara pacis estaba situado originariamente en  el Campo de Marte, cerca del Panteón y al lado del mausoleo del propio Augusto. En el siglo XVI fueron decubierrtos algunos fragmentos del Ara Pacis, que adquirió la familia Médicis. En 1938, coincidiendo con el bimilenario de Augusto, se inauguró el monumento reconstruido .

 

LAS ARTES PLÁSTICAS EN LA ANTIGUA ROMA: ESCULTURA Y PINTURA

Las artes plásticas en la antigua Roma

En roma, la escultura tuvo, fundamentalmente, un carácter funerario y político. La pntura y el mosaico cumplieron funciones decorativas. la escultura romana muestra una clara subordinación a la arquitectura, puesto que la mayoría de las  obras tienen como objetivo  la ornamentación de edificios y monumentos . Realizadas en mármol, bronce o piedra, las estatuas romanas desarrollan dos géneros característicos, como el retrato y el relieve histórico , en los que se puede percibir claramente la herencia recibida del arte etrusco  y la influencia del arte griego 

 

La escultura exenta.

La escultura romana cumplió una función muy distinta de la que había tenido en la Grecia clásica, donde nunca se consideró un arte decorativo , de carácter privado , sino un objeto votivo, comprensible en le marco de unas creencias. Está vinculadas por una lado , con la tradición etrusca , , que se manifiesta en la observación de la realidad y en la función funeraria y , por otro, con los modelos griegos.

 

En la religión romana, fuertemente entroncada con el poder político , tuvo un gran papel el culto a los antepasados . En las casas de las grandes familias de época republicana se guardaban las imagines maiorum , mascarillas de difuntos, hechas con yeso o cera, que explican el verismo físico y gestual del retrato romano . La aristocracia republicana recogió esta tradición para inmortalizar a los grandes personajes públicos, como la supuesta cabeza de lucio Junio Bruto, que destaca por su realismo y por su intento de expresión psicológica.

El retrato. 
En este apartado se deben incluir  tanto al busto, como a la escultura exenta y la escultura ecuestre. En esta última tipología está representada por  la estatua de Marco Aurelio, modelo para las estatuas ecuestres del Renacimineto. 
En un primer momento estos  estos retratos  toman como referencia  la escultura funeraria etrusca y la tendnecia realista de la estatuaria greiega del período helenísitco ( siglo III a.C.) . 
Posteriormente en el siglo I d.C.  el retrato imperial adopta cierto idealismo , propio del período clásico griego,  aunque muy afectado por la corriente popular  que humaniza los gestos. Gradualmente se simplican las formas , y en el período del bajo iMperio , o tradorromano  ( siglos III-V) se produce una fuerte tendencia a la esquematizaci'no 8 o geometrización)  y una evidente voluntad de solemnizar al personaje, zanticipando la rigidez del retrato bizantino. 

Las imágenes imperiales

En época imperial la imagen del gobernante alcanzó toda su dimensión propagandística. La efigie del emperador se convirtió en una representación de poder, a veces divinizado, , lo que condujo a una cierta idealización , nunca reñida con la reproducción de la verdad física. 
 

La famosa estatua del Augusta de Prima Porta, conocida por copia, sintetiza dos aspectos esenciales de estas imágenes. La influencia griega es observable en la postura, que recuerda el Dorífiro de Policleto, junto a un evidente embellecimiento del gesto y la típica preocupación romana por caracterizar el personaje, no solo físicamente sino también en los atributos de su indumentaria, por ello en la coraza se representan distintos símbolos, entre otros las provincias recientemente conquistadas.

El relieve histórico 
caracterizado por su alto grado narrativo , recrea con granm relaimo y vivacidad  escenas bélicas que subrayan la grandeza del Imperio . En este sentido destaca  el gusto porv la recreación del paisaje  y la decoración arqutectónica.  estos relieves se esculpen ne impriosonanates  monumnetos comemorativos , tales como altares  (aras) - Ara pacis Augustae- , arcos de trinufo  y columnas exentas. La adecuación al esapcio arquitectónico , al cual se subordiana  los relieves, tiene  en la decoración helicoidal de la columna trajana su mejor ejemplo. 
Parañleleamente a la evolución y a lso g´neros cuitados , cabe señalar la gran cantidad de copias, en mármol, de obras originales griegas en bronce y hoy desgraciadamente desaparecidas, gracias a lso cuales se tiene  una idea más ajustada  de cómo fue la eattuaria helénica, y demuestran la admiración cultural  que Roma tuvo por la civilización griega.  

LA ARQUITECTURA ROMANA

    

Introducción

Influida en sus orígenes por Grecia y los etruscos, Roma se convirtió en un gran imperio . Con ello, extendería por todas sus provincias su cultura y su arte, dejando ejemplos de su arquitectura por todo el mediterráneo.

La arquitectura e ingeniería romanas.

La arquitectura fue el arte que mejor expresó el carácter romano y el mejor instrumento de romanización del Imperio . Losa romanos la utilizaron como un símbolo del Estado a través del cual mostraban su poder y conmemoraban sus victorias. Su mentalidad práctica daba prioridad a los aspectos funcionales frente a los estéticos , de manera que crearon una tipología de edificios que respondían perfectamente a las necesidades de una sociedad compleja y evolucionada como las suya. La mayoría tenían una función utilitaria , pero,además, su edificación era todo un símbolo del poder del Estado.

Podemos clasificar los edificios romanos por la función que tenían :

• Edificios para el culto: templos.
• Edificios para el ocio . Teatros, anfiteatro, circos ( carreras de carros), odeón ( sala de conciertos), palestra ( combates y torneos)
• Edificios para la vida pública, gobierno y administración. : basílicas y curias ( para las reuniones del Senado)
• edificios para el cuidado del cuerpo : termas y gimnasios
• obras públicas: acueductos, puentes, calzadas, puertos, cloacas.
• Monumento conmemorativos. Arcos del triunfo y columnas de enorme tamaño, que fueron erigidas para rememorar las grandes victorias de los ejércitos de Roma. Ambos son elementos arquitectónicos extraídos de su contexto , convertidos en símbolos de un imperio que amaba la monumentalidad.

  El romano, constructor de espacios

El hombre griego siente el espacio como algo exterior. Por eso proyecta sus edificios atendiendo a sabias combinaciones de puntos  de vista que le llevaban en ocasiones, a modificar medias y apariencias. Para él, el espacio es el lugar en el que se encuentran sus arquitecturas, que están pensadas desde el exterior. Se trata en realidad, de un espacio escultórico. Dicho de otra forma , el griego es creador de volúmenes antes que de espacios. 

Sin embargo, el romano  concibe el espacio  como algo interno, o  algo en lo que él se siente inmerso. Las circunstancias del mundo latino crean unas estructuras sociales y  políticas complejas por un lado y suntuosas por otro, lo que conduce a la creación de grandes espacios cerrados. El característico sentido practico de los romanos hará de estos espacios cerrados algo  verdaderamente adecuado  al hombre, aun al pecio de renunciar a los medios de la plástica griega. 

 Cunado el arquitecto romano toma el modelo de columnatas exteriores de los templos griegos y las traslada la interior de sus basílicas está valorando y aplicando al máximo los valores constructivos y plásticos de los helenos, peo al servicio de una nueva dimensión espacial. 

El romano sabrá desarrollar una arquitectura en la que l importante será la creación del espacio interior. 

La influencia etrusca

Todo el arte romano , y en especial, la arquitectura, se vio muy influido por el arte etrusco. Este destacó por la incorporación del arco a las influencias griegas, así como por el estilo toscano. Ambos elementos serán incorporados y serán utilizados profusamente por la arquitectura romana, así como el basamento que eleva la altura de los templos . A su vez incorporará otra serie de elementos de cierta relevancia, como le uso del cemento ( opus caementicium), los recubrimientos de mármol, y un regreso a la pérdida de la escala humana en las construcciones.

Arquitectura y ciudad

La arquitectura es la manifestación artística más importante de los romano . ES un arte esencialmente urbano , supeditar a los intereses políticos de los gobernantes estatales, frente al carácter religioso que tuvieron los grandes edificios de las otras civilizaciones de la antigüedad.

Así se explican dos características capitales de la arquitectura romana, el sentido utilitario y la sensación de grandeza, que se manifiesta en una gran variedad de edificios y soluciones arquitectónicas

Los romanos utilizaron los órdenes y perfeccionaron los instrumentos de trazado y cálculo, heredados del mundo griego, pero ademá incrementaron el uso de los a arcos, combinando arquerías y columnatas, extendieron el uso de cubiertas abovedadas; e inventaron la cúpula. También diversificaron los materiales constructivos : ladrillos, sillares de piedra y hormigón obtenido de la mezcla de cal y piedra volcánica

El origen de la ciudad de Roma

El origen de la civilización romana se encuentra en la región del Lacio , en las pequeñas aldeas situadas en cerros defendidos por fosos y terraplenes . De una de estas aldeas surgió la ciudad se convertiría en la capital del imperio roano ,Roma.

Justo antes de la etapa republicana y bajo influencia etrusca se impulsó la transformación de Roma, desecando y saneando la zona pantanosa del río Tíber por medio de la Cloaca Máxima. A esto siguió la pavimentación del valle del foro , que se convirtió en el lugar más concurrido de la ciudad y alrededor del cual se dispusieron las construcciones más importantes, como la basílica, el mercado de pescado o el templo de Cástor y Pólux.

A este período parece ser que pertenece la Loba capitolina, escultura en bronce que recoge el mito según el cual Rómulo y Remo, fundadores de Roma, fueron amamantados por una loba.

Por esta misma época, las antiguas cabañas romanas fueron cambiando su forma. Las dependencias se situaban en torno a un atrio, donde se desarrollaba la vida cotidiana. El atrio recogía también las aguas pluviales y proporcionaba luz y aire a la vivienda.

Materiales y sistemas constructivos.

Los romanos experimentaron con nuevos materiales y utilizaron diferntes sistemas constructivos , según la función del edificio .Para ello usaron tanto la arquitectura adintelabada como la abovedada.

Los órdenes 

Por influencia griega adoptaron la columna y el arquitrabe. El orden que domnó en sus edificios fue le corintio , al que incluso introdujeron modificaciones. Estas dieron lugar al orden compuesto , en el que se unían las hojas de acanto corintias con las grandes volutas jónicas. Otro orden creado por los romanos  fue el toscano que combinaba  el capitel dórico  y la basa del jónico y tenía fuste liso.

 















La bóveda más usada fue la de cañón, aunque, dado el tamaño  y la complejidad de algunos edificios , la piedra fue sustituuida por materiales más ligeros y fáciles de trabajar. También usaron la bóveda de arista  y la cúpula. 

Los materiales 

Además de la piedra volcánica ( tufo) y de la calcárea, los romanos utilizaron el ladrillo y la argamasa, junto con  un material revolucionario: el opus caementicium, el antiguo hormigón, hecho a base de mezclar pequeñas piedras,  grava, arena y cal con agua. El opus caementicium  permitía cubrir grandes espacios  y construir con rapidez. 

Los romanos combinaban los materiales en muchas ocasiones, lo que daba lugar a distintas técnicas, como el opus spicatum, por ejemplo.  estos sistemas constructivos  daban, en general, una apariencia tosca y pobre, por ello solían decoarase en su totalidad con pinturas al fresco, mosaicos y esculturas.

 

ROMA, EL IMPERIO DE LA ARQUITECTURA

   

El imperio de la arquitectura: la modelación del espacio arquitectónico.

Roma, llevó a cabo una verdadera revolución en el campo de la arquitectura, que teiene una principal faceta en la importancia adquirida por la investigación y desarrollo de una nueva concepción del espacio arquitectónico. Exsite un acuerdo prácticamente unánime en cuanto a que si el campo de las artes figurativas Roma fue extremadamente deudora – y seguidora- de la tradición griega en esa materia, en la arquitectura demostró más autónoma, con personalidad propias, entre otras razones por la importancia de su papel en la autoafirmación social del os romanos y en su uso político por los dirigentes. A diferencia de la escultura, la arquitectura romana tiene un proceso evolutivo coherente y propio.

Si insistimos en el uso de parangones o los contrastes con la tradición helénica, puede decirse que si los griegos, partiendo de la tradición egipcia, revolucionaron la escultura, Roma, partiendo de la tradición helenística y de ciertas tendencias itálicas, revolucionó la arquitectura. Es importante subrayar, respecto a los segundo , la importancia de la tradición helenística, porque una cuestión fundamental de la personalidad arquitectónica de Roma, como el uso del arco y la bóveda, se atribuía tradicionalmente a una invención propia, cuando lo cierto es que se trata de una aportación más del legado helenístico , a cuyo caudal corresponde asimismo lo esencial de la tecnología romana aplicada a este menester. Roma desarrolló ampliamente la tradición tecnológica heredada y fue particularmente creativa en el uso de los materiales yen la invención de muchos de ellos.

La cantería adquirió ya un nivel excepcional en Grecia, y Roma se incorporaría a la misma tradición constructiva en sus magníficas fábricas de opus quadratum yen la multitud de aplicación de una arquitectura levantada con elementos previamente trabajados, como las dovelas de arcos y bóvedas. Pero sería más genial, si cabe, la aplicación de técnicas constructivas sobre la base de materiales modestos y con empleo de operarios poco cualificados, lo que abría el camino a la posibilidad de abordar grandes construcciones con abundante mano de obra, algo esencial para las ambiciones romanas en esta materia y asequible en el marco de las prácticas esclavistas desarrolladas en la sociedad romana.

En este orden de osas fue fundamental el perfeccionamiento del hormigón , el opus caementicium, una clave de la arquitectura y la ingeniería romanas, que aparte de precedentes orientales y grecohelenísticos, es una aportación tecnológica propiamente romana. Requería técnicos adiestrados al frente de una gran cantidad de mano de obra no especializada, y son bien conocidas sus posibilidades y cualidades de aplicación a la hora de afrontar grandes proyectos arquitectónicos, desde los cimientos a las airosas y atrevidas bóvedas de tantas construcciones. Algo parecido puede decirse de otros materiales seriados, realizados a partir de la arcilla o de piedras poco aptas para la gran cantería de sillares. Cabe destacar en esto el uso de del ladrillo cocido con el que se hacían magníficas fábricas del llamado opus testaceum. La combinación del núcleo de hormigón y paramentos de ladrillo fue la base del gran desarrollo de la arquitectura romana imperial..

Un riquísimo acervo técnico y artesanal fue puesto, pues, al servicio de una arquitectura de grandes ambiciones, la médula esencial de cuyo carácter iba a ser la comentada nueva concepción del espacio arquitectónico. Hace tiempo que señaló Bruno Zevi que, respecto a la arquitectura griega, cuyos valores son esencialmente escultóricos, Roma significó el comienzo de una nueva era determinada por la búsqueda de los valores puramente arquitectónicos, que corresponden a la definición de espacios tanto abiertos como cerrados; sobre todo con estos últimos, la arquitectura se convierte en el arte de moldear la materia insustancial del aire, un volumen que se define de manera privilegiada mediante la utilización de las líneas y de las superficies curvas de los arcos y las bóvedas, capaces, además, de cubrir amplios ambientes ,disminuyendo la cantidad y el tamaño de los soportes, “creando espacios”.

EL TEMPLO ROMANO

El templo romano

En la arquitectura religiosa romana se funden elementos italo-etruscos y griegos. Su concepción espacial se considera una herencia italico-mediterránea antigua. El modelo de los griego influye formalmente en detalles de la arquitectura y de la organización plástica La influencia etrusca en el ceremonial religioso , en la construcción de lso santuarios y en la forma básica de los templos obedece a su posición dominante . Las primeras casas para las imágenes de culto tine su origen probablemente en en el antecedente f formal común a griegos y etruscos del mégaron egeo. Su división en un espacio principal ( cella) y un pórtico ( pronaos) se mantiene hasta época tardía; igual ocurre con características típicas de la construcción en madera , por ejemplo, los anchos intercolumnios de los soportes del pronaos que siguen la alineación de los muros de la cella.

Todos los templos estruscos se sitúan sobre un podio , ostensiblemente elevado por encima del recinto sagrado y el resto de edificios . En la fachada , una amplia escalinata       aciemnde hacia el pronaos sustentado por columnas.

La cubierta a dos aguas, de poca inclinación, , vuela amplia mente por todos los lados .su revestimiento de tejas de barro cocido se remata en el canalón y en la fachada con tejas perfiladas ricamente decoradas. En el frontón aparecen a menudo movidos grupos de figuras de terracota policromadas.

Los templos romanos adoptaran el tipo de templo sobre podio con pronaos y escalinata. La direccionalidad y frontalidad se acentuarán a menudo mediante su inserción en una plaza religiosa a modo de foro. En Roma aumenta la influencia griega

Desde el siglo II a.C. Se hace cada vez más patente la influencia de los edificios religiosos griegos. La primitiva construcción en madera , con sus pesadas y achaparradas construcciones , cede ante una construcción más severa y ante los órdenes griegos 

EL FRISO DE LAS PANATENEAS

El friso de las Panateneas

Cuando la escultura dórica del Partenón había concluido , Fidias decidió encapsular un friso dórico para narrar el ceremonial que seguían los atenienses durante las grandes fiestas estivales de las panateneas. Todos los años, el 28 de juloio, la ciudad subía en procesión a la Acrópolis para celebrara la hecatombe de ganado que se ofrecía a Atenea , distribuyéndose luego la carne entre los asistentes, que consumían en un alegre banquete. Esas Panateneas menores , se intercalaban con las Mayores, que tenían lugar una vez cada cuatro años, coincidiendo con el tercer año de cada olimpiada. Entonces la doncellas entregaban a los sacerdotes el peplo que habían tejido para que revistiesen a la diosa con esta prenda. Ambas conmemoraciones aparecen reflejadas en el friso . Jinetes, carros, músicos, portadores de odres, ánforas, ramos y los victimarios con los animales de las ofrendas se encuentran en la entrada principal con la Asamblea de dioses, hacia donde convergen también las vírgenes atenienses para ofrecer el vestido a su patrona. La mayor parte de este friso fue trasladado , en 1811, por Lord Elgin a Inglaterra, conservándose en el Museo Británico.

HERMES Y DIONISOS, DE PRAXÍTELES

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 El Hermes y Dionisos  de Praxíteles ( Museo de Olimpia)

El grupo escultórico, que vamos a examinar, consta de dos figuras: un joven de pie, desnudo y apoyado de forma indolente en un tronco , y un niño, también desnudo , sujeto en su brazo izquierdo, con el que parece juguetear. Del mismo brazo izquierdo de la figura principal pende un manto con drapeados, que casi oculta, frontalmente, el tronco del árbol. El brazo derecho de la escultura está incompleto, y la parte interior de las piernas ha sido reconstruida en yeso.

Análisis

La obra está trabajada sobre mármol, mostrando un alto grado de calidad técnica y de habilidad para aprovechar las cualidades estéticas del material. Está claro le uso, entre otros instrumentos, del trépano, cuya peculiar huela es muy evidente en la cabellera.

Las superficies han sido pulidas moderadamente, con una delicada matización que les de ilusión de vida, sugieren la sensación táctil de blandura y morbidez. Se ha evitado, a propósito, toda rugosidad y la brusquedad de las rectas , prefiriendo trabar los plano e interpretar las formas con transiciones suaves , casi difuminadas .
No está condicionada por imperativos arquitectónicos, pero su independencia arquitectónica no es total , ya que se ajusrta a las leyes visual es propias de la pintura:

• Se desarrolla en sentido frontal , y prueba de ello es, por ejemplo,  la colocación de lo brazos de la figura principal , de modo que ni corten la silueta ni dificulten  la plena apreciación del a belleza del contorno .La  espalda tiene menos interés de incluso está terminada de cincelar.   

• Se da gran importancia al juego de luces, hasta casi sustituir la imposición de los volúmenes.

La composición se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se concentre en el rostro del joven , ensimismado en sus pensamientos. El juego intrascendente con le niño marca el punto culminante.

La figura principal presenta un contraosto o esquema en S, mediante una postura lánguida y natural. El brazo derecho está en tensión, con el hombro algo desplazado mientras que el izquierdo se apoya en un soporte, la perna izquierda , libre de peso , toca suelo con la punta del pie, la derecha sujeta el cuerpo, resaltando así la línea de la cadera. La ligera inclinación de la cabeza viene a completar el esquema.
La luz es un elemento primordial. Resbala con suavidad sobre las superficies y crea ricas modulaciones y matices sutiles. Uno de los grandes logros del autor es, precisamente, el haber sabido sacar partido de los efectos lumínicos sobre el mármol . El mismo uso magistral del cincel que hemos comentado al hablar de las superficies, le ha servido ahora para jugar con el claroscuro, que potencia tanto las formas difuminadas como la sensación de piel palpitante.

La policromía, en su estado actual, es inexistente, lo que no es obstáculo para suponer que existía originariamente en ojos, labios y cabellos, mientras que en el re4sto se mostraría en su plenitud la pura belleza del mármol.

La forma de expresión es figurativa y naturalista ( fijémonos en el tratamiento dado al cabello, o en los drapeados del manto). Hay un indudable interés por la belleza formal , especialmente en la figura principal ; su pose relajada resalta los rasgos

EL PARTENÓN

El Partenon

Los atenienses se califican a sí mismos de jonios para subrayar su mayor antigüedad de tradición con respecto a los griegos continentales dorios. Sin embargo construyen sus templos en el orden dórico . El templo principal de su diosa Atenea en la Acrópolis, el Partenón, al igual que sus predecesores, es también invariablemente un templo períptrero dórico . El antiguo templo sobre la terraza de la fortaleza es destruido en el 480 durante las guerras médicas.

La reconstrucción del primitivo Partenón sobre la nueva terraza sur es abandonada. Concebido como un períptero dórico de 6 x 12 columnas, anticipa algunas peculiaridades del Partenon posterior. Durante su período de construcción se ve inmerso en las discusiones políticas de los partidos y en la rivalidad entre los mejores.

La primitiva fase de construcción ( hacia 465-449) del primitivo Partenon está totalmente bajo la dirección de Calícrates. La segunda fase, dirigida por Ictinios y Fidias, comienza en el 449, inmediatamente después de tomar le poder Pericles, quien convence en la Asamblea para emprender en la Acrópolis un ambicioso programa constructivo. El Partenon sigue siendo su pieza principal.

Este templo mezcla el tipo de períptero dórico con tradiciones atico-jonias y con las nuevas concepciones espaciales, que hasta ahora habían permanecido en segundo plano en la arquitectura religiosa griega . En cuanto a la planta el equilibrio entre naos y perístasis alcanzado en el templo períptero clásico , se modifica totalmente en beneficio de la naos. El ensanchamiento de la fachada a 7 intercolumnios= 8 columnas beneficia plenamente el espacio interior. Los pórticos anterior y posterior avanzan hacia la perístasis, quedando desusadamente amplios. Mediante la reducción de las antas, que los limitan lateralmente, a unas pequeñas prolongaciones del muro , ambos pórticos . con 6 columnas cada uno , se abren en todo el ancho de la naos y también lateralmente al perístasis. Iktinios toma esta solución del antiguo Partenon, aumentando dos intercolumnios.

En lugar de la profundidad espacial a la que tendía el períptero dórico y del estrechamiento gradual mediante una limitación lateral , aparece aquílal ampliación lateral y una integración . Se forma así un pórtico anterior completo parecido al de los grandes templos jónicos, pero sin su extensión en profundidad ( sin ningún bosque de columnas) La integración de los espacios parciales, por lo general, claramente delimitados, se acentúa también mediante la ornamentación escultórica. En lugar de las metopas y triglifos dóricos , la fachada interior de la naos ostenta un friso continuo de relieves de tipo ático –jónico con la procesión de las Panateneas, que se extiende, coronando el muro en el interior del pórtico, alrededor de todo el naos.

La sensación de amplitud espacial se manifiesta especialmente en la planta de la cella. Las dos columnatas superpuestas que la recorren por tres de sus lados separan un espacio ideal del rectángulo espacial ampliado hacia el exterior . La arquitectura del perístasis se emplea aquí en cierto modo en el interior. En el centro se levanta la estatua criselefantina de la Atenea Partenos de 11 metros de altura, realizada por Fidias, liberada de la tradicional angostura de la tradicional nave central .
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LA ESCULTURA GRIEGA

La escultura griega.

Caracteres  generales de la escultura

Los ideales del pueblo griego brilla en la escultura, cuyas creaciones  señalan unas de las cimas  de toda la historia del arte, a pesar  de que algunos de los grandes maestros  no conservemos más que copias romanas . Aunque sus raíces son orientalizantes y en sus primeras fases  refleja influencias egipcias su evolución constante  llega a crear un mundo de formas original ,que se distancia de sus primeros momentos.  

Tres períodos pueden distinguirse . arcaico (  hasta el siglo V a.C.) , clásico (siglos V y IV)  y helenístico ( a partir de finales del siglo IV a.C.)

La escultura griega tiende a representar la figura humana. Su origen es incierto, aunque se piensa que las primeras imágenes en madera, llamadas xoanas, tenían una intención votiva.

La evolución  ofrece una orientación clara, los escultores plasman en la figura humana  sus concepciones de la belleza física y equilibrio espiritual  ( sofrosine) la belleza concebida  como medida, proporción entre las partes , anatomía armoniosa, idealización del cuerpo humano , alcanza su plenitud. Pero la belleza corporal resultaría fría  en un rostro inexpresivo : la expresión entendida no solo como una vivencia estética

La época tardía.

A mediados del siglo VII aparece el kouros, representación en piedra de un hombre joven desnudo, de pie, con una pierna adelantada, en una rígida posición frontal, y con los brazos extendidos a lo largo del cuerpo. Su caracterización anatómica tiende a lo geométrico , aunque con músculos poderosos y una peculiar sonrisa. Representan a jóvenes que han alcanzado la inmoralidad, bien por una muerte violenta e inexplicable, por ejemplo, un rayo, bien por la victoria deportiva, la fama, la virtud reconocida, en griego areeté, es el único consuelo ante la muerte. También hay figuras de muchachas, las koré, vestida púdica mente, es una imagen votiva, su actitud es al de presentar ofrendas.

El período severo.

En la primera mitad del siglo V a. C. Las superficies se simplifican , la rigidez tiende a desaparecer, aunque las piezas poseen una majestuosidad característica.

También aparecen nuevos materiales, bronce y mármol, y nuevos temas. El Auriga de Delfos parte de un monumento que conmemoraba una victoria en una carrera de cuadrigas, es un ejemplo. Destaca el cuidado naturalista de algunos detalles y la composición equilibrada.

El momento clásico

Las más famosas esculturas exentas de este momento ( segunda mita del siglo V a.C.) se conocen por copias romanas en mármol, aunque eran de bronce. Solo los relieves que decoraban los templos nos permiten ver obras originales. En el Partenón trabajó el más famoso escultor del momento , Fidias, autor de la escultura de Atenea Parthenos. En el frontón oriental se representa el nacimineto de Atenea y en el occidental la disputa de Atenea y Poseidón por le dominino del Ática; y en los frisos la procesión de las fiestas Panateneas. Asombra la armónica y equilibrada composición de las figuras, junto a un tratamiento psicológico de los rostros y una extraordinaria plasticidad en el modelado .

Mirón alcanzó celebridad con su Discóbolo, que representa a un héroe de los Juegos en el momento de lanzar el disco: se trata de una composición compleja, i bien con un punto de vista preferente, que reproduce la concentración de un instante de dinámica tensión, donde el rostro permanece ajeno al esfuerzo.

Policleto escribió escribió el primer tratado sobre la escultura, reflexionó sobre el canon donde reside la belleza de las proporciones del cuerpo, según el canon el cuerpo debía medir siete veces el tamaño de la cabeza. Testimonio de ello es el Dorífoforo, una representación ideal de la figura humana, donde se alcanza un equilibrio rítmico entre las partes y el conjunto.

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Las transformaciones del siglo IV

La gran novedad de la escultura del siglo IV a. C. Es la aparición de la expresión: las formas se hacen más complejas y movidas. Este cambio está vinculado a una clientela privada, que genera un mercado y un coleccionismo , y a un pensamiento filosófico centrado en el ser humano , que se enfrenta en solitario a los dramas de su destino .

Tres nuevas tendencias iluminaron la plástica  griega del siglo IV: la charis praxiteliana, cararatcerizada por expresar las emociones líricas, el pathos escopásico, que tiende a explorara el estado dramático ; y la fusión  que hace de ambas tendencias Lisipo, el último de los clásicos, acuñando un nuevo canon de belleza  ideal del cuerpo humano , inspirado en ocho cabezas.

Praxíteles, que compone sus figuras con un característico ritmo en “S”, la llamada curva praxiteliana, talla la Venus de Cnido ( representación de la diosa venus), ejemplo de sensualidad y gracia.
Praxíteles nació en Atenas con el siglo y extendió su actividad hasta el año 330a.c. Aprendió de su padre Cefisdotos el Viejo, y el pintor Nikias fue su habitual policromador. Obras de juventud, realizadas en época 380-370 a.C.  coom el Sátiro escanciador y el Apolo sauróctono, apuntan la fórmula  de su estilo maduro . temas agradables, llenos de encanto, tratados con suavidad y reflejados a través de un ritmico contoneo sinuoso, que se ha dado en llamar curva praxiteliana.

Apolo Sauróctono

Su obra maestra data del año 360 a.C. Es la sensual Afrodita saliendo del baño, que le compraron los ciudadanos de Cnido. Se trata del primer desnudo integro femenino , en el que imprime las suaves formas redondeadas de su amante Friné. La gracia y la serenidad de la Afrodita Cnidia motivó que fuera muy solicitada por la clientela del mundo antiguo, reproduciéndose ne infinidad de copias y adaptaciones que, conl igeras variantes, se prolongarán hasta la helenísitca Venus de Milo.

Escopas, es el escultor del dolor y la pasión. El cuerpo de su Ménade se contorsiona en una exaltación del sentimiento que rompe con el momento clásico .
Escopas ahonda en los estíumulos patéticos   ...

Lisipo es el autor del Apioxiomeno, obra donde se coloca un canon más alargado , con una acción más realista . El atleta, con expresión cansada, se limpia la piel .

El helenismo. 

Las grandes creaciones del arte helenísitco pertenecen al campo de la escultura. Se ofrecen soluciones satisfactorias en el orden técnico e iconográfico: las estatuas pierden el punto de vista frontal en favor de su visibilidad desde todos los ángulos, con el propósito de que puedan erigirse en el centro de una plaza y el observador las contemple desde cualquier perspectiva, se resuelve también el problema de la torsión del cuerpo , con figuras girando en espiral, y surgen grupos complejos integrados por varios personajes; el repertorio iconográfico se amplia y la nómina de dioses es compatible con individuos de toda condición social , desde le príncipe al esclavo , en un proceso de secularización artística, se cultivan las tres edades de la vida , la ternura de la infancia , la plenitud de la madurez y las carnes decrépitas del anciano ; los modelos pueden ser griegos o extranjeros , vestidos o desnudos y triunfa la alegoría.