Mostrando entradas con la etiqueta ARTE GÓTICO. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta ARTE GÓTICO. Mostrar todas las entradas

martes, 16 de febrero de 2016

ANÁLISIS Y COMENTARIO DEU NA OBRA DE ARTE. EL GRUPO DE LA ANUNACIACION Y LA VISITACION DE REIMS

ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE. LOS GRUPOS DE LA ANUNCIACIÓN Y LA VISITACIÓN DE LA CATEDRAL DE REIMS
INTRODUCCION
Se nos propone el comentario de un conjunto de escenas pertenecientes a una fachada esculpida de una catedral gótica, en este caso la catedral de Reims, uno de los mejores ejemplos del gótico francés clásico del siglo XIII. En este caso adelantamos que se trata de uno obra perteneciente al arte gótico , más concretamente a su fase más clásica, es decir la del siglo XIII, aunque después profundizaremos en las cuestiones sobre su filiación.
ANÁLISIS
Como hemos dicho en la introducción estamos hablando de una obra de arte esculpida en los derrames de una portada gótica, en lo que son las prolongacion de la inmensas arquivoltas de la fachada, uno de los pocos lugares en los que en el gótico se refugia la escultura ,pues como hemos visto en el caso de la arquitectura la desmaterialización del muro gótico hace que la decoracion escultórica deba refugiarse en los retablos y en las fachadas.  Se trata de talla sobre piedra, en este caso piedra local que los artistas medievales trabajaban al pie  de la misma obra. Al ser una obra dependiente de la arquitectura debemos hablar de escultura monumental , y más concretamente usaremos el término de estatuas columna, término propiamente gótico en el debemos matizar que aún siendo dependiente de la arquitectura dejan de estar sometidas a la ley de adaptación del marco arquitectónico y empiezan a independizarse, con formas cada vez más redondeadas , abandonando esa frontalidad característica del periodo anterior.
Caso peculiar es la policromía, que se ha perdido casi en su totalidad pero debía decorara  toda la portada gótica
Como hemos digos son varios grupos los que aquí se presentan , así que haremos una análisis diferenciados de cada grupos y de sus caracyterśiticas estilísticas. En el grupo que llamamos de la Visitación, correspondiente a las dos figuras del extremo  derecho, observamos como se ha pretendido un  gran realismo, basado en el uso de modelos clásicos, así como en el protagonismo de los drapeados de resonancias clásicas, pues nos recuerdan casi a los paños mojados de la estatuaria romana. El movimiento se ha conseguido mediante un ligero contraposto y ambas figuras  tienen una comunicación entre ellas pues sus cabezas se inclinan y sus manos gesticulan . El maestro de la Visitación  pretende además la búsqueda del realismo, diferenciando ambos personajes y expresando incluso la edad más avanzada en el caso de santa Isabel .La anatomía es en este caso totalmente proporcionada  y el desplazamiento de los brazos rompe la frontalidad y lanza a las figuras a la conquista del volumen interno, sobre todo en la figura de Isabel, que desplaza sus brazos. Además le claroscuro del drapeado    y las líneas diagonales de este añaden una intensa emoción y movimiento.

Frente a este nos encontramos el famosos grupo de la Anunciación , en el que los historiadores han encontrado incluso dos artistas distinto, uno que se ocuparía de la Virgen, heredero de la tradición de Amiens, con un arte más “frío”, carente de emoción, en el que los plegados caen pesadamente, de pliegues rectos y angulosos, sin transmitir dinamismo, carente de volumen interno , sin apenas uso del claroscuro y cierta frontalidad y “ensimismamiento” frente a la comunicación del grupo de la Visitación. Esta tiene incluso un canon más alargado, más estilizado . Caso aparte es el maestro del ángel de Reims  o maestro de la sonrisa, este se ha relacionado con el desarrollo de una versión amable y cortesana del gótico, correspondiente al llamado “estilo 1200” caracterizado por  la curvatura ,el uso de la “sonrisa arcaica”, un modelo que va a ser muy imitado en la escultura del  Edad Media. En este caso el canon es el mismo que en el caso de la Virgen  pero el drapeado le añade dinamismo  pero  el movimiento de los brazos aporta dinamismo y rompe la frontalidad, además gira el rostro  y busca con la mirada a la Virgen , aunque en este caso es carente la falta de comunicación en este grupo , frente al grupo de la Visitación.
COMENTARIO

domingo, 3 de marzo de 2013

LA CATEDRAL DE BURGOS

Análisis y comentario de una obra de arte. La catedral de Burgos.
A continuación nos proponernos a desarrollar el análisis y comentario de una catedral gótica propuesta en la lámina 1, para ello primero analizaremos los aspectos técnicos más importantes de la arquitectura religiosa gótica para después entrar en más detalles sobre el edificio a comentar. Com hemos dicho , estamos analizando un edificio religioso gótico, en concreto una catedral y como tal , señal del poder de la iglesia como sede del obispo así como señal del poder de la ciudad e incluso del rey.
La catedral a comentar es la de Burgos, en ella podemos apreciar gracias a la fotografía el alzado del interior y los valores técnicos y visuales del gótico . La fotografía como hemos dicho retrata ella nave principal de la catedral , pero deja entrever las dos laterales, siendo pues esta de planta de cruz latina y tres naves, la central más alta que las laterales.
COMENTARIO
Pasamos ahora a comentar los aspectos propias de esta gran obra de arte y que la convierten en uno de los hitos de la arquitectura gótica de nuestro país. En el mismo espacio que ocupaba la catedral románica de santa maría se erigió, en tiempos de Fernando III el Santo , la catedral de Burgos. Su impulsor fue el obispo Mauricio, quien, tras un viaje por Francia y Alemania, decidió levantar en su ciudad una catedral aún más bella que las que había contemplado.
Presentaba una gran homogeneidad estilística gracias a su rápida ejecución, lo que no impidió que posteriormente se incorporaran nuevos elementos. Las obras se iniciaron en 1221 por la cabecera, como era costumbre, pues así se podía celebrar el culto aunque el resto del templo no estuviera concluido. Se consagró en 1260, lo que indica que ya estaba terminada.
La catedral se comenzó conforme al modelo cisterciense pero en 1245 el maestro Enrique modificó el proyecto para ajustarlo al gusto francés. Los maestros, todos ellos castellanos, que trabajaron posteriormente fueron . Johan Pérez, Aparicio Pérez, pedro Sánchez, Pedro Sánchez Molina y Martín Fernández.
Tiene planta de cruz latina, con tres naves formadas por seis tramos ( rectangulares los de la central y cuadrados los de las laterales) y un crucero muy sobresaliente de una sola nave. El presbiterio es profundo, con una girola a la que se abren cinco capillas pentagonales, de las cuales sólo dos son del siglo XIII.

En cuanto al alzado se alinean tres niveles, como hemos dicho. Los arcos apuntados que comunican las naves, un estrecho triforio, ciego al exterior, formado por arcos de medio punto enriquecidos con tracerías de trilóbulos; y el muro, donde se abren grandes ventanales cerrados con vidrieras.

sábado, 2 de marzo de 2013

LA IGLESIA DE SANTA MARÍA DEL MAR


SANTA MARÍA DEL MAR DE BARCELONA
 Santa María del Mar es probablemente la mas bella iglesia gótica española, y anu en algunos aspectos , una joya única del gótico europeo.  No se trata de compararla  con las grandes catedrales góticas de Chartres y Reims , que nos abruman por sus proporciones  y luminosidad, pero, aun de menores dimensiones,  Santa María del Mar no es superada , por su pureza de líneas y su ciencia constructiva (…) Según la tradición en la necrópolis romana sobre la que se encuentra la iglesia fu enterrada Santa Eulalia. Un documento del año 918 menciona una basílica que se encontraba en el camino del mar. Durante los siglos XII y XIII , armadores, mercaderes y descargadores construyen sus casas alrededor del templo, al timpo que los nobles comienzan  a edificar sus palacios en la vecina calle Moncada. Se necesitaba una iglesia de mayores proporciones, y por iniciativa del Canónigo Bernardo LLull, inicia la construcción en el año 1829 el arquitecto  BERENGUER DE MONTAGUT, ayudado por RAMÓN DESPUIG; en agosto de 1384, el Obispo Pedro Planella dedica el templo a la virgen y celebra la primera misa. (…) Exteriormente, define los rasgos peculiares del gótico catalán: torres octogonales terminadas en terraza, ausencia de arbotantes y multiplicación de contrafuertes macizos, preferencia  por grandes superficies de paramento desnudo, dominio de la horizontalidad.  No carece de originalidad la fachada, con sus torres altísimas y la calle central rora en dos planos, uno con la portada y otro  hundido con el rosetón, con lo que se consigue un efecto de volumen poco usual. Los muros laterales, sin arbotantes y sin adornos están más próximos  a la austeridad románica que a la sensualidad del gótico. Pero es el interior lo que convierte a esta iglesia en un monumento excepcional;  la afirmación de que la arquitectura  es la creación de espacios interiores  puede  ser experimentada por el visitante con toda su plenitud.
La disposición interior rompe con la estructura del gótico francés y resume las características del gótico en Cataluña: planta de salón, tres naves de altura casi idéntica,  multiplicación de capillas laterales aprovechando el alto número de contrafuertes (imprescindible ante la ausencia de arbotantes y posibilidades de descarga en naves laterales más bajas)
Al  flanquear la entrada base experimenta una doble impresión: la del dominio visual de un espacio vasto  y la de hallarse ante una arquitectura pura, sin ninguna concesión ornamental. El espacio se consigue con la enorme distancia entre los pilares, trece metros, insólita en el arte medieval, y su esbeltez, que no perturba la visión desde ningún ángulo, ya que la contemplación es tan completa desde una nave lateral como desde la central. Por otra parte los pilares al estar reducidos a octógonos, sin ninguna columnilla adosada, asemejan palmeras de piedra  que se despliegan hacia los nervios de las bóvedas; la sensación de austeridad de la masa es tal que cualquier aderezo, un cuadro  o una lámpara, la perturbaría. Con la esbeltez de los soportes no solo se consigue una preeminencia de los valores espaciales y plásticos, sino que por añadidura es más acusado el efecto ascensional  de los elementos arquitectónicos, que culminan en la impresión flotante de la bóveda de crucería. El ritmo solemne y amplio de los pilares de las naves s hace más fluido en la girola, donde la escasa separación, en contraste, contribuye a suscitar una impresión de cabalgata. No crecen de belleza algunos ventanales  y resulta particularmente atractiva la iluminación de los de la fachada, contemplados desde el interior de las tardes de sol, pero no es en Santa Maria del mar lo importante la luz,  en perfecta armonía en las zonas altas con el despliegue de la bóveda, o el color, sino simplemente la piedra.
No sería posible una euritmia sin una estructura medida, sometida a rigurosas proporciones matemáticas. ES frecuente hallar en una catedral gótica, incluso en los monumentos máximos, un pilar más grueso  o un pilar descentrado o un tramo de bóveda más amplio, porque la distribución de pesos o un leve error en el sistema constructivo  ha exigido rectificaciones, Pero en este caso el edificio  ha sido levantado con la precisión  de diseño de un dibujo. La nave central ,de trece metros de anchura,  es igual al a suma de las dos laterales; la distancia de trece metros entre los pilares puede medirse en todos los sentidos, es decir, entre los do pilares de una misma nave o con el correspondiente de la otra; el número de pilares, cuatro en cada nave, se repite en la girola, ocho en total. Estas proporciones aritméticamente calculadas se ponen de relieve en el alzado, ya que con una estructura de líneas se pueden enlazar todos los elementos arquitectónicos.

viernes, 1 de marzo de 2013

LA PINTURA GÓTICA

LA PINTURA GÓTICA.
INTRODUCCIÓN: La pintura es una de las manifestaciones más interesantes del gótico, tanto en murales como en tablas y miniaturas.
Características de la pintura gótica.
La reducción de los muros de la arquitectura gótica determinó la disminución de la pintura mural , y allí donde antes había frescos, se realizaron grandes vidrieras policromadas. Esto obligó a la pintura a buscar nuevos soportes, como las tablas que conformaban los retablos, y a continuar el desarrollo de la miniatura iniciada en el románico.
La evolución de la pintura del siglo XIII al XV y las diferencias entre unos países y otros dificultan la concreción de unas características generales. A pesar de ello, se pueden apuntar algunas características comunes: la temática es mayoritariamente religiosa, aunque se desarrollan numerosos temas profanos, las figuras son cada vez más expresivas y naturales; y los fondos neutros y dorados ceden su lagar a espacios figurativos y al paisaje.
En su desarrollo se suceden cuatro estilos. Estos son difíciles de delimitar cronológica y geográficamente, porque se manifiestan en varios países a la vez y en ocasiones de manera simultánea.

I)El gótico lineal y la miniatura francesa.
Del siglo XIII apenas conservamos pinturas, pero a través de las vidrieras y miniaturas podemos identificar un estilo lineal – por la importancia de las líneas del dibujo- cuyos mejores ejemplos se conservan en Francia, donde se usan colores vivos y contrastados
A principios del siglo XIV trabajan extraordinario miniaturista, Jean Pucelle, en cuyas ilustraciones se detectan tonalidades de color que empiezan a definir composiciones dotadas de volumen.
Un siglo después, uno de los más famosos talleres de iluminación es el del duque de Berry, hermano del rey de Francia, Carlos V. destacan Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry, iluminadas por los hermanos Limbourg hacia 115, donde se ofrecen idílicas imágenes de la vida campesina y cortesana, bien distinta de la agitada realidad contemporánea.

II) El modelo italiano o italo-gótico.
En virtud de circunstancias culturales, tales la vigencia de tradiciones clásicas, la proximidad del mundo bizantino , y de la situación histórica en la que el poder del papado y del imperio no impide el desarrollo y la autonomía de las ciudades , la pintura italiana del Duecento ( siglo XIII) y del Trecento ( suglko XIV), presenta singularidades respecto al resto del continente. Sí, se alude a la profundidad espacial, aparecen los estudios anatómicos en combinación con gestos sentimentales, y la luz sirve para graduar las tonalidades y armonizar la gama cromática. Estos cambios se producen sobre todo , en Florencia y en Siena.
En Italia, , si bien a principios del siglo XIII, la influencia bizantina todavía se dejaba sentir, la pintura italiana se fue liberando de ella poco a poco para otorgar a las figuras vitalidad y dinamismo.
Otra particularidad italiana es la importancia de la pintura al fresco, que se mantiene, mientras decrece en el resto de Europa es la importancia de la pintura al fresco , que se mantiene, mientras decrece en el resto de Europa.
Entre los maestros de transición, Cimabue fue el más original, al concebir figuras de expresión natural y actitudes más variadas.
  • La Escuela de Florencia. Giotto.
En Florencia, el gran artista renovador es Giotto ( c. 1266-1337), uno de los grandes nombres de la historia del arte, punto de partida de la pintura moderna. Su obra se aparta del estilo lineal bizantino de colores vivos y brillantes y de lineas largas, prefiriendo represnertaciones m´ñas serenas y realistas. Se inspira en el natural, de manera que rompe las convneciones imperantes. Sus sobrias figuras poseen una gran corporeidad gracias al modelado de lso colores, que se aclaran o se oscurecen en función de la luz, alcanzando una solemnidad escultórica de volúmenes simples. Desde el punto de vista de la verosimilitud espacial , sus escenas son coherentes. En ellas vemos acciones teatrales que pueden ser descritas en términos narrativos. So obra maestra es la decoración mural de la capilla Scrovegni en Padua, donde construye un entramado de falsos marcos para ordenar sus escenas. Por todo ello está considerado el más completo precursor del renacimiento.
  • La escuela de Siena
La escuela sienes es, en cambio, frente a las novedades de Giotto, mucho más dependiente de las tradiciones. Sus pintores desarrollan un gusto por lo lineal , con siluetas sinuosas y composiciones rítmicas, así como una preferencia por los colores vivos y limpios , que se acentúan con el brillo de lso fondos dorados. Los pintores mas importantes son Duccio di Buonisegna, autor dela maestá (1308-1311), de la catedral de Siena, donde aparece la Virgen rodeada de ángeles y santos, que revela la proximidad a lo bizantino; los hermanos Lorenzetti, sobre todo, Ambrogio, autor de las pinturas del palacio publico , con escenas urbanas y de campo, que poseen gran ilusionismo,; y Simone Martini, que es el más delicado.

III) El estilo internacional.
A finales del siglo XIV, la presencia de artistas extranjeros en parís y Borgoña determinó el nacimiento de un estilo que funde ñas tendencias franco e italo-góticas
Hacia 1400, en toda Europa las diferencias nacionales se diluyen en lo que se ha llamado “ estilo internacional”. En él convergen , por un lado, el refinamiento y la elegancia, relacionados con la tradición sienesa, aunque con mayor riqueza de detalles y de colorido ; y por otra parte, el naturalismo, que era frecuente en las miniaturas francesas, con un gusto por lo descriptivo y anecdótico.

IV) Los primitivos flamencos.

La región  de  Flandes, donde, entre otras ciudades, destacan brujas y Gante, dependiente políticamente del Duque de Borgoña, alcanza una riqueza  considerable durante el siglo XV, como consecuencia de la artesanía y el comercio. Este momento de esplendor económico coincide con  la consolidación de una escuela pictórica con una extraordinaria personalidad, que tendrá gran influencia en toda Europa, pero especialmente en la Península ibérica. , al mismo tiempo que ,desde Italia, se empieza a difundir el Renacimiento. Cuatro aspectos fundamentales definen la pintura flamenca del siglo XV.
  • Sociológicamente, el sistema de producción artístico es heredero de la tradición medieval, con un sistema gremial donde prima la concepción artesanal  frente a la conciencia individual, fuertemente intelectualizada, del mundo italiano.
  • Técnicamente, los pintores flamencos alcanzan una perfección tal en el trabajo del óleo que constituyen una referencia histórica indiscutible,. Ello permite veladuras( tintas trasparentes que suavizan el tono de lo pintado)  mayor riqueza e intensidad del colorido y , sobre todo, , un virtuosismo sin precedente en la ejecución.
  • Desde el punto de vista de la concepción espacial  de las escenas, consiguen de manera intuitiva, un ilusionismo paisajístico en el que se insertan las figuras, aun más espectacular que el de los pintores italianos contemporáneos, obsesionados por los problemas teóricos de la perspectiva geométrica.
  • Y, en lo que se refiere a la percepción concreta,  tiene una voluntad de representar las osas tal y como las ve el ojo humano, entendido el término en su precisión detallista: de ahí la importancia que adquiere el retrato así como  de los distintos pormenores que interviene en una composición  pictórica, por ello favorece paradójicamente, el simbolismo de los elementos representados.

Los grandes maestros flamencos
El más grande de los pintores flamencos fue Jan van EYCK ( 1390-1441). En colaboración con su hermano Hubert, que comenzó la obra ,  realizó el Polititico del Cordero Mísitco, , acabado en 1432, cuya tabla central muestra las praderas celestiales, con los diversos estados de la condición humana, religiosos, magistrados caballeros, así colo mas alegorías de las virtudes; estos personajes acuden a adorar al Cordero Mísitco en un amplio espacio exterior, típico de la pintura flamenca. De su obra  como retratista cabe destacar El ;matrimonio Arnolfini ( 1434) , que ha de entenderse como un laborado “certificado de matrimonio”, on un complejo lenguaje de símbolos y metáforas, testimonio del rebuscado pensamiento que impregna la obra de Van Eyck , donde todos los objetos del cuadro cobran un significado, en el espejo , por ejemplo, están representados los testigos, uno de ellos el propio pintor.  

martes, 26 de febrero de 2013

LA ESCULTURA GÓTICA

LA ESCULTURA GÓTICA
INTRODUCCIÓN: heredera de la románica, la escultura gótica desarrolla una gran profusión de temas y un gusto por el realismo cada vez mayor.
La humanización de la escultura.
La escultura góticas fue liberándose, poco a poco, de la férrea sujeción y subordinación al marco y espacio arquitectónico, aunque se mantuvo estrechamente ligada a la decoración de los edificios religiosos. Al igual que la arquitectura, la escultura tuvo su origen en Francia, donde durante los siglo XII y XIII se esculpieron gran cantidad de obras, sobre todo en las portadas de las nuevas catedrales.
La ornamentación de la portada catedralicia
Las portadas con escultura de época gótica son herencia de las románicas, tanto por su sentido didáctico como por el emplazamiento de las piezas, que ocupan el tímpano, el dintel , las arquivoltas, el parteluz, y las jambas, configurando así lo que se ha dado en llamar una portada real. Además, las portadas góticas llevan gabletes, coronamientos apuntados de un muro o de un vano . No obstante hay diferencias formales o iconográficas: por una lado, aunque conservan la referencia del marco , las figuras aparecen más independientes y , sobre todo, muestran unas actitudes o sentimientos humanos, como la dulzura en la Virgen o el sufrimiento en Cristo; por otro, cada fachada tiene un programa iconográfico.
En Chartres, por ejemplo, la fachada oeste hace referencia al vida de Cristo, la norte a la de María y la del sur a los santos y al juicio final .Aunque no siempre hay una regulación estricta, es habitual encontrar estos ciclos temáticos en ñas portadas, de manera que se reconocen escenas concretas de la vida de la Virgen , como la Anunciación, la Visitación o el transito o de las vidas de lso santos, inspirados en la leyenda Dorada de Jacobo de Vorágine.
En el interior de los templos la decoración escultórica está únicamente presente en púlpitos y en el coro.
Características de la escultura gótica
las figuras escultóricas de este período -originalmente policromadas- se humanizan a través de diferentes recursos:
  • la estilización y el redondeo de las líneas
  • la elegancia de los movimientos.
  • La captación de un cierto naturalismo en los gestos y en la expresión de sus rostros.
  • Un preocupación por la corporeidad y volumetria de los ropajes y los cuerpos .
Paralelamente ya se empieza a advertir un marcado sentido narrativo en las figuras representadas. Realizadas en piedra, las temáticas más recurrentes fueron el Juicio Final del Apocalipsis y la Viren Maria. Esta se convierte, gracias a la orden del Cister, en la imagen simbólica de la Iglesia.
Origen y evolución de la escultura gótica
La liberación de la escultura y la aparición de la escultura exenta.
Ya en el siglo XIII, proliferaron las esculturas exentas en las llamadas estatuas-columnas , que decoraban las jambas y el parteluz de las portadas catedralicias, dándose así el primer paso hacia la independencia de la escultura respecto al marco arquitectónico.
Este proceso de independencia o autonomía de la escultura tuvo su desenlace durante el siglo XIV, principalmente de la mano del escultor francés Claus Sluter. La escultura se hizo totalmente autónoma en el siglo XV, con la aparición de los retablos escultóricos y la proliferación de imágenes de devoción exentas y los sepulcros.
  • Las imágenes de devoción
     
    Durante los siglos XIII y XIV , los talleres parisinos alcanzaron gran destreza en el tratamiento del marfil , la eboraria, en la que habría de inspirarse la escultura monumental. Se trata de piezas de pequeño tamaño, delicadas y elegantes. Muy modernas desde un punto de vista estilísitco , pues en ellas parecen caracterizados los sentimientos.
    En Inglaterra, durante los siglos XIV y XV, se trabajó la escultura de alabastro, también son figuras de reducidas dimensiones, que se exportaron al continente , gozando de gran aprecio entre la burguesía
    Francia lideró , desde un inicio, la evolución de la escultura gótica, siendo un modelo rápidamente imitado en el resto de países europeos , a excepción de Italia. Allí se gesta un modelo estilísticos distinto al del resto de Europa en lo que se refiere a la forma de concebir las artes figurativas. El trabajo escultórico, tradicionalmente desligado de la arquitectura, produjo un rico lenguaje expresivo en obras exentas, en púlpitos de mármol y en puertas de bronce, ilustrando un estilo inspirado en la antigüedad clásica y con ciertas influencias bizantinas.
    En Pisa trabaja Nicola Pisano, autor, en 1260 , del púlpito del baptisterio de la catedral ,un elemento que alcanza gran importancia en Italia. Está levantado sobre columnas que sostiene un gran prisma; cada una de sus caras se cubre con esculturas, lo mismo que las enjutas de los arcos, aunque los cuerpos son algo cortos de talla, las figuras tiene un fuerte relieve, con cabezas muy clásicas.
    En Borgoña trabaja , a fines del siglo XIV, un gran escultor , Claus Sluter, caracterizado por un estilo monumental y realista, su obra maestra es el Pozo de Moisés en la cartuja de Champol, en Dijon. 

  • La escultura funeraria: los sepulcros
     En torno a al muerte se desarrolla toda una especialidad escultórica, favorecida por un sentido nuevo del hecho que afecta al énfasis que se pone en su dimensión personal: es el inidivduoel que se enfrenta a un juicio particular de sus actos. 
     
  • Los retablos Otra tendencia evidente del período fue desarrollar un gusto por la máxima sofisticación, donde se nota de manera notable es los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. Así como los portales, estas grandes estructuras presentaban un programa iconográfico claramente organizado, con la ilustración de la jerarquía divina que tenían un reflejo en la tierra, bajo la forma de la iglesia instituida con el Vicario de Cristo como su líder, además de sus ministros y los creyentes. Estos retablos eran ofrecidos en general por la comunidad y por tanto, tenían un significado además de religioso, social, porque servían como símbolos de la identidad de esta comunidad, cuanto más ricos y grandes, más prestigio daban a la ciudad o a la congregación. La mayor parte de los retablos poseían paneles plegables laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, presentaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil, algunos estaban ejecutados combinando las imágenes con unas complicadas filigranas de tracería de talla de madera. Escultores de centro Europa fueron los que más aplicaron este estilo, aunque las composiciones monumentales para retablos también llegaron a los reinos de España, por ejemplo el retablo mayor de la catedral de Toledo o el de la Cartuja de Miraflores realizado por Gil de Siloé.4445

miércoles, 13 de febrero de 2013

LA ARQUTECTURA GÓTICA

La arquitectura gótica.
INTRODUCCIÓN. Desde mediados del siglo XII comenzó a darse un nuevo estilo de construcción que revolucionaría el panorama europeo.
Las formas constructivas y espaciales.
La construcción de un edificio gótico obedece al empleo coordinado de una serie de elementos formales, que responden al deseo de dar transparencia al muro ,lo que produce como resultado un espacio luminoso cuyos límites materiales son ingrávidos
Si analizamos el alzado de una iglesia gótica vemos una estructura ascensional lógica, en la que, en el interior, las bóvedas de crucería se sustentan sobre esbeltos soportes de columnas que permiten abrir grandes vanos de arcos apuntados, con vidrieras, por los que la iglesia se inunda de luz , y , en el exterior, los empujes se diversifican a través de arbotantes y contrafuertes. Este sistema supone la articulación del espacio en tramos , formados por la bóveda y sus correspondientes soportes.
Los referentes intelectuales.
Desde el siglo XIX, que redescubrió el estilo gótico y lo interpretó, en muchos casos, de manera racionalista, o en otros casos , espiritualista, los historiadores reflexionan sobre las circunstanciaras intelectuales y religiosas que produjeron un sistema constructivo tan peculiar.
Panofsky relacionó la arquitectura gótica con el pensamiento escolástico. Encontró principios comunes, por ejemplo, la subordinación de las partes a una idea global , cada una de las cuales encierra una lógica deductiva que lleva a las demás, presenta un paralelismo con el sistema de pensamiento articulado del escolasticismo, donde todo confluye en una totalidad.
Otros autores han interpretado la iglesia gótica no solo como un espacio funcional sino ,ante todo, como un símbolo, la iglesia de los elegidos, la Jerusalen celeste, esto explicaría la armónica geometría que rige las iglesias góticas tanto en planta como en alzado, reflejo de arquitecto supremo , Dios, el gran geómetra, y también la atmósfera resplandeciente, obtenida con las vidrieras coloreadas, que nos acerca a Dios.

LA CATEDRAL
La catedral se convirtió en el edificio paradigmático de la arquitectura gótica y el modelo francés fue su expresión más típica.
La catedral es la sede del obispo , figura capital en la construcción de la misma , como fueron Rodrigo Ximenez de rada en Toledo, o Mauricio en Burgos, pero, al mismo tiempo, es el símbolo religioso de una ciudad, a cuya financiación contribuyeron con sus donaciones los gremios y oros grupos sociales. Por lo general la envergadura de la catedral requirió un largo proceso constructivo, rigurosamente organizado , con una compleja división del trabajo, y algunas innovaciones ,como el uso de máquinas y el aumento del tamaño de los sillares, en ocasiones fabricados en serie. Lo habitual no obstante, era que el cantero trabajase a pie de obra , lo mismo que el escultor pues ambos eran considerados artesanos.
La dirección se confía al maestro de obras, que empieza a realizar los primeros dibujos, es decir, a trabajar de forma teórica, guardando las proporciones geométricas, aunque su conocimiento de la construcción, todavía es, en su mayor parte, experimental. Conocemos bastantes nombres de maestros de obras, prueba de su prestigio.
La nueva espiritualidad religiosa de la época, las innovaciones técnicas y constructivas permitieron levantar edificios más amplios y luminosos . Los elementos que hicieron posible este cambio fueron fueron fundamentalmente le arco apuntado u ojival , más ligero que el de medio punto, y la bóveda de crucería, resultante del cruce de dos arcos ojivales, cuya estructura permitía descargar el peso directamente sobre columnas y pilares, liberando el muro de su función de soporte.
Gracias a estos dos elementos, los arquitectos tuvieron la posibilidad de abrir grandes ventanales, que después quedarían ricamente decorados con vidrieras de colores. La mayor altura y amplitud de las naves, así como también el aligeramiento de los muros, obligó a los arquitectos a reforzar exteriormente la estructura. Ello se logró mediante un complejo sistema de arbotantes y contrafuertes que contrarrestaban el el peso de las bóvedas interiores. 
En planta la catedral gótica tiene una organización muy característica:
de este a oeste , la planta de la catedral consta de tres partes encadenadas: la cabecera, con un transepto más corto pero que adquiere un extraordinario desarrollo, como lugar de culto, con girola y capillas poligonales. ;
el crucero, , generalmente de tres naves
y las naves principales, tres o cinco naves longitudinales, siendo la central de mayor altura y anchura que las laterales.
El alzado interior se divide en tres niveles. Las arcadas que conducen a las naves laterales, el triforio- pasadizo de estrechas arquerías que sustituye a la tribuna románica-, y el claristorio, cuerpo superior con ventanales.
En el exterior, el elementos destacado es la fachada occidental, esta es la más importante, que, en los mejores ejemplos, traduce armónicamente la organización interna , tanto vertical como horizontalmente. Flanqueada por dos altas torres, en sus estructura se pueden se pueden distinguir varias franjas horizontales superpuestas. Abajo, y correspondiendo en número con las naves interiores, se encuentran las portadas, decoradas con una rica decoración escultórica. Sobre ellas y no siempre en el mismo orden , acostumbran a aparecer un cuerpo de arcadas, un gran rosetón y un triforio con escultura- la galería de los reyes-
esta estructura además , se repite en las fachadas del transepto.

LOS INICIOS
En un primer momento, la reforma de la vida monástica de la orden del Císter, en el siglo XII, fomentó la pobreza y el ascetismo. En la construcción de sus monasterios vemos ya la transición del románico al gótico. Configuraron un estilo propio: el cisterciense, de arcos apuntados y bóvedas de crucería, basado en la austeridad, pues en sus edificios se prohibieron los pórticos con esculturas, las vidrieras de colores y las pinturas. Buenos ejemplos de ellos son los monasterios como santa María de la Huerta, en Castilla, o Santes Creus, en Cataluña.
EVOLUCIÓN DE LA ARQUITECTURA GÓTICA EN FRANCIA.
Los escritos de Suger, abad de Saint-Denis, explica nel espíritu que impulsa el nuevo estilo en sus orígenes. Imbuido de neoplatonismo , Suger considera que las bellezas materiales constituyen un reflejo divino, lo que justifica al riqueza de la iglesia. Las vidrieras y los vasos sagrados, de oro y piedras preciosas, reflejan la luz de Dios
Hacia la segunda mitad del siglo XII, en el norte de Francia, empiezan a surgir las primeras catedrales góticas, en las que se creará el modelo septentrional o francés, que dará gran importancia a la verticalidad  y a la luminosidad del interior.
En la consagración de la nueva cabecera de Saint- Denis , en el año 1144, auténtico hito de gótico, participó el rey de Francia, Luis VII, lo que testimonia la vinculación de la monarquía con la iglesia.
El gótico, por lo tanto, nace en la región de Ile -de -France, en torno a parís, cuya catedral es una de las que definen el primer momento gótico, el llamado “gótico preclásico” Alguans de sus carácter´sitricas son . La utilización de bóvedas sexpartitas, la alternancia de soportes fuerte y débiles, y el uso de muros interiores de cuatros cuerpos,es decir, arcos ,tribuna, triforio y claristorio. Se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XII. La construcción de catedrales originó la competencia entre ciudades por conseguir más altura en las naves.
A la primera mitad del siglo XIII corresponde el gótico clásico”, cunado se construyen las catedrales de Chartres, Amiens y Reims, cuya estructura espacial y proporciones resultan las más armónicas.
 Este modelo será seguido en castilla- catedrales de burgos y León- y también en Inglaterra y Alemania. En este último país se potenció de manwera especial la verticalidad, siendo la catedral de Colonia un magnífico ejemplo de ello, al alcanzar con sus torres la latura de 156 m.
Durante la segunda mitad del siglo XIII y el XIV se desarrolla el gótico radiante caracterizado por una mayor ligereza y luminosidad, multiplicándose los radios de los rosetones, como en la Saint-Chapelle de París. La obsesión por la altura  da paso a un notable aligeramineto de las catedrales que permitió reducir el espesor de los muros y ampliar la superficie acristalada, potenciándose la tracería y los vitrales.
Paralelamente, también en la segunda mitad  surgió en el sur de Francia, concretamente en la catedral de Albi, un modelo concido coom el gótico meridional, que tuvo gtan influencia en Cataluña.

Durante el siglo XV, e incluso después, se desarrolla el “gótico flamígero”, con una decoración cada vez más abundante y compleja, aunque las estructuras se simplifican . Ser utiliza el arco conopial, mixtilíneo o carpanel, así como las bóvedas estrelladas.



LA INFLUENCIA DEL GÓTICO EN ESPAÑA

La influencia francesa en Castilla. El siglo XIII
En general, la evolución formal de la arquitectura francesa es aplicable a la de España, aunque la recepción es más tardía. En las catedrales españolas , el coro se dispone en medio de la nave central, por lo que se interrumpe la continuidad visual del eje que va desde la fachada a la cabecera, como en Francia. Las tres grandes catedrales góticas del siglo XIII, que recibieron el apoyo de los obispos y de los reyes, son las de Burgos, Toledo y León.
La de Burgos, con tres naves, con transepto de nave única, posee numerosos añadidos posteriores que producen una gran diversidad.
La de Toledo, de cinco naves, supuso, para la ciudad , la inserción de un modelo europeo en un ámbito de fuerte presencia islámica y judía.
La de León, extraordinariamente luminosa, resulta ser las más francesa, y probablemente, la más purista, a lo que contribuyó su restauración. 

El gótico mediterráneo. El siglo XIV
En el sur de Francia, Cataluña, Valencia y Baleares, la fuerte influencia de la severidad decorativa cisterciense, así como el papel de las nuevas órdenes de franciscanos y dominicos, que preconizaban la sencillez, condicionaron unas formas muy peculiares,incluso con singularidades propias de esa zona, como la nave única de la catedral de Gerona, que da como resultado un interior amplio y desahogado,o las tres naves, casi a la misma altura, de la iglesia de Santa María del Mar de Barcelona, iniciada en 1328 y iniciada en su mayor parte por armadores y mercaderes de la ciudad.
En general, el gótico catalán y levantino se caracteriza por la concepción unitaria del espacio , una gran sobriedad y robustez, la relevancia del muro como estructura envolvente, ventanales largados ,pilares gruesos, aunque esbeltos, como elementos sustentante en el interior, y un aspecto macizo del exterior, acentuado por la proximidad y tamaño de los contrafuertes, como se aprecia en la catedral de Palma de Mallorca.

El gótico castellano del siglo XV
En la Corona de castilla fue importantísimo el desarrollo de la arquitectura gótica durante el siglo xV y comienzos del XVI, inmediatamente antes y durante la recepción de las primeras formas renacentistas. Se trata de una arquitectura unfluida, sobre todo, por maesteros flamencos y alemanes. Además de las catedrales continuadas y empezadas de sevilla, Salamanca o Segovia, entre otras, destacan eificios cpomo el monasterio de san Juan de los Reyes, en Toledo, obra de Juan Guas, cuya iglesia es de nave única con capillas laterales entre los contrafuertes y el clasutro posee una caracterítica tracería flamígera en el piso bajo  y arcos mixstilíneos en el piso superior.

miércoles, 22 de febrero de 2012

EL ARTE GÓTICO: CONTEXTO HISTÓRICO SOCIAL Y CULTURAL.

INTRODUCCIÓN: El arte gótico se desarrolló en el contexto europeo durante más de trescientos años , perdurando en algunos lugares incluso más tiempo . En ese período se produjo una evolución constante en el estilo, muy marcado por la propia identidad de cada territorio. A partir del siglo XII Europa occidental asiste a un progreso generalizado  que implica la superación de la epata feudal en muchos aspectos.
ECONOMÍA
En lo económico destaca el importante crecimiento de la producción agrícola favorecido por el extraordinario desarrollo  demográfico desde principios del siglo XII. Fue un crecimiento debido a la ampliación  de las zonas de cultivo, a los nuevos sistemas de roturación ya los progresos técnicos alcanzados.
 Esto produjo un excedente de productos   y de campesinos en los feudos señoriales, para los cuales la ciudad se convirtió en la única salida. Empieza así una etapa de interacción entre el campo y la ciudad. El primero surtía a esta de alimentos y materias primas, mientras que la ciudad ofrecía la campo productos artesanales. SE establecen nuevas relaciones entre ambos sectores, que permitirán el paso de una economía autárquica y rural a una economía de mercado urbana.
Esto supuso la revitalización de las ciudades. Se construyeron barios fuera de las antiguas murallas: los burgos o arrabales donde se instalaron los artesanos y comerciantes para formar un nuevo grupo de ciudadanos que se conoce como burgueses. El trabajo industrial-artesanal que desarrollaron se organizaba por actividades y dio lugar a los gremios  o agrupaciones de artesanos. Los gremios (de zapateros, tejedores, herreros…) regulaban la vida profesional del sector: fijaban los pre4cios, las condiciones de producción y no permitían que un artesano trabajara en su oficio sin estar inscrito e4n el gremio correspondiente.
La dinamización del comercio  local favoreció también la del comercio internacional, que se proyectó en dos áreas. El mediterráneo y la zona del mar del Norte y el mar Báltico  .La primera se vio beneficiada por las Cruzadas  y por la consiguiente expansión del mundo cristiano, que permitió la llegada a Occidente de especias, sedas y perfumes procedentes de oriente. Por su parte el comercio entre le mar del Norte y el mar Báltico  estuvo controlado por la hansa, liga que agrupaba a las principales ciudades comerciales (Hamburgo, Brujas, Gante…) para defender sus economías.
Surgen así las primeras actividades financieras propias de una economía pre-capitalista. Con el comercio se pusieron de nuevo en circulación importantes cantidades de moneda. Apareció la letra de cambio  y se concretaron las primeras formas de asociación  entre capitalistas  y comerciantes que unieron sus recursos para acometer grandes empresas mercantiles. 

SOCIEDAD
En los social la mayor parte del a población seguía siendo campesina, mientras la nobleza y el clero formaban un estamento privilegiado. Pero la burguesía de las ciudades portó  novedades importantes: se considera libre, independiente del señor feudal; estimas que es solo la riqueza la que marca la distinción de clase y que la iniciativa personal  posibilita el ascenso social
 En la sociedad de la baja Edad Media se producen profundos cambios en las formas de vida y en la concepción del pensamiento religioso , que afectan decisivamente a la aparición de un nuevo etilo, el gótico. De un lado tiene lugar el crecimiento de las ciudades, en ellas una nueva clase social y urbana de artesanos y comerciantes va a encontrara en la catedral , que constituye el tipo de edificio más representativo de los nuevos tiempos, en la que convergen todas las actividades artísticas, una identificación a al que entregarse vitalmente. De otro lado surge una religiosidad que pone énfasis en el aspecto intangible del espíritu de Dios, que llena con su luz el espacio de la iglesia. 
UN PERÍODO DE CAMBIOS
El desarrollo de las universidades
Es la época de las universidades, cunado comienzan su expansión y se asientan como la cuna de la cultura, que abandona las escuelas catedralicias y monásticas.
El desarrollo de las ciudades.
Las ciudades comienzan su expansión y en ellas, como símbolos de las mismas, comienzan a realizarse los ejemplos más característicos del arte gótico . Las catedrales. En ellas se van a reflejar los grandes logros , así como los gustos de las clases y oficios urbanos, que ven en ellas la manifestación de sus ideas y valores. 
Las monarquías feudales.
Desde el siglo XIII comienzan a asentarse y a expandirse los reinos occidentales, que serán las bases, cunado no el germen directo , de los estados modernos . En ellos la monarquía se establece como forma política , y entorno a ella se realizan toda una serie de representaciones artísticas que tiene en el gótico su vehículo de expresión. 
El pensamiento teológico y filosófico.
En el siglo XII se traduce a Aristóteles y sus ideas opuestas al platonismo  se extiendne por toda Europa; en ellas la sensación prima sobre la abstracción  y con ello se tenderá cada vez más  al naturalismo en la plástica. La observación y el cálculo  determinana a partir de ahora el conocimineto, y en el arte el realista y el ingeniero sustituirán al expresinista y al simbolista románico.