LA ARQUITECTURA ROMÁNICA

LA ARQUITECTURA ROMÁNICA

INTRODUCCION. El desarrollo del arte románico coincide con la consolidación de los estados europeos cristianos, que se organizan bajo un sistema feudal , y en un momento de enardecida fe religiosa.

Cronología y períodos.

Las primeras experiencias artísticas románicas hay que situarlas hacia el año 1000 y parecen bastante bien definidas hacia mediados del siglo XI, a través de las siguientes características. 
 Sillares regularmente tallados, escultura aplicada que obedece a un programa icono gráfico, pilares y muros articulados, bóvedas en lugar de cubiertas de madera y construcciones monumentales, levantadas con deseos de perdurar.

El área geográfica inicial se extiende por una franja que va a ambos lados de los ríos Ródano y Rhin , y desde Cataluña al norte de Italia, lugares, pues, donde la tradición tardoantigua está presente ose ha mirado con deseos de renovación.

A fines del siglo X cristaliza este primer momento , que culmina hacia el año 1100 o 1125 con el llamado románico pleno , un estilo unificado en todo Occidente gracias a las ordenes religiosas , que imponen en sus monasterios las mismas soluciones técnicas, así como la aplicación de la liturgia romana en toda la Cristiandad que acaba con las particularidades de cada lugar , y al establecimiento de cauces de intercambio a través de los caminos de peregrinación que se abren para venerar las reliquias de lso santos. San martín de Fromistra, en Palencia, es uina ejemplo de ello.

Hacia mediados del siglo XII, se produce el románico tardío, que coincide en el tiempo con la expansión cisterciense y las primeras experiencias góticas. 
 

La iglesia románica.

La planta tiende a ser de cruz latina, con cabecera semicircular, aunque hay algunas iglesias de planta centralizada, ligadas a ámbitos funerarios , como santa María de Euinate, en Navarra, de finales del siglo XII la nave del transepto acentúa la separación entre el espacio de los fieles y el espacio sagrado del presbiterio.

Esta disposición traduce la sencillez de un estilo donde los espacios se generan por adicción . En ella se reconocen todos los elementos estructurales que se desarrollan en el alzado , lo que suponen una nítida distinción de los volúmenes que configuran externamente el edificio. La escultura y la pintura que constituyen parte inseparable del edificio , contribuyen a ofrecer una imagen más dinámica. En el exterior , un elemento importante es la torre o campanario, a veces aislado, como en Pisa, pero siempre destacado, como en las pequeñas iglesias de los pirineos, decorados con arquillos ciegos de influencia lombarda, o en las proporcionadas iglesias castellanas, como san Esteban en Segovia.

Muros

El muro de las iglesias románicas es grueso , a vece reforzado por contrafuertes, en el se abren vanos pequeños, pero siempre está articulado, es decir, obedece a una lógica constructiva, donde todos los elementos se encadenan: vanos, líneas de imposta columnas , remates. Las puertas y ventanas se abocinan y reciben esculturas en las arquivoltas que apoyan sobre columnas . La cornisa puede llevar elementos clásicos y puede llevar canecillos decorados. Los empujes se distribuyen a través de las columnas , que pueden ser exentas, adosadas o semicolumnas formando un núcleo en trono a un pilar más o menos complejo. Conserva las mismas partes que la columna corintia del mundo romano , aunque las proporciones son distintas y el capitel suele ser historiado.

Las cubiertas.

En las cubiertas se utiliza la bóveda de cañón , a menudo reforzada con arcos fajones, en especial en la nave central , la bóveda de arista, sobre todo en las naves laterales, y la media naranja o de horno. En el crucero suelen levantarse cúpulas, sobre pechinas o trompas.

El pórtico de la iglesia románica.

La abundante decoración escultórica externa de la iglesia románica revela la necesidad de hacer visible el mensaje religioso , com una forma de adoctrinamiento, especialm,ente en la portada, que se abre como un gran espectáculo místico osobre la plaza, invitando al fiel a acercarse Dios.

Las arquivoltas aparecen , al principio, solo molduradas, pero, en un segundo momento, las dovelas que las forman llevan esculturas de personas o animales fantásticos. El tímpano se decora con un relieve, donde se resume el mensaje teológico principla . La decoración se extiende por los capiteles, canecillos, metopas y cornisas, con un sentido parlante.

Los programas icono gráficos, en principio, eran ideados por expertos teólogos, aunque terminaran por repetirse figuras y motivos al margen del sentido inicial , habían de ser ”leídos·” para comprender los contenidos que encerraban . A través de ellos se enseña el dogma , se combate la herejía y se fomentan idearios orales y espirituales. Junto a lso sermones , contribuían a formar la cultura de los iletrados.

Un tipo especial, las iglesias de peregrinación.

Aunque se ha exagerado la importancia de las peregrinaciones para explicar afinidades culturales, es cierto que los movimientos migratorios, ya fuera por razones religiosas ,comerciales o por expansión militar , produjeron un importante flujo de viajeros e intercambios artísticos. Por eso las iglesias son hitos monumentales que el caminante tiende a percibir como emblemas de un mismo poder extendido por los territorios que recorre. Suele hablarse de un tipo de “iglesias de peregrinación”. Entre ellas destacan iglesias como las San Saturinino, en Toulouse, o,sobre todo, la de santiago de Compostela, última etapa de un camino muy recorrido.

La iglesia de peregrinación es un edificio típico del románico pleno , aunque su forma no se deba solo a la existencia de aquel. Está caracterizada por tener tres o cinco naves, la central cubierta con bóveda de cañón y las laterales con bóveda de arista y , sobre ellas, una tribuna, el transepto es de estructura similar y la cabecera está provista de girola y capillas radiales para la veneración de las reliquias o celebración de oficios , las fachadas son torreadas y con portadas monumentales. 
 

Los ámbitos europeos del románico.

El románico francés.

La región francesa de Borgoña es una zona muy importante para el románico , impulsado por Cluny. Las iglesias son grandes y bien iluminadas, con muros muy articulados y rica decoración . En Provenza, por ejemplo , en san Trofimo de Arles, se detectan influencias clásicas, En Auvenia ,con Santa Fe de Conques y en el Languedoc, con San Sernin de Toulouse, se sigue el modelo de peregrinación.

El románico italiano.

En la península itálica el arte románico estuvo muy condicinado por la Antiguedad clásica y la cultura bizantina, y adoptó un estilo singuklar y mu distintoal descrito anteriormente. Sus rasgos más significativos fueron: el uso dle ladrillo yel aprovechamiento dem ateriales antiguos (Mármoles), las grandes naves cubiertas con bóvedas , la preferencia por la decporación mural y la independencia física de los tres edificios catedralicios: catedral, baptisterio -de planta circular- y campanario. Un ejempl ode esta distribución no unitaria es el conjunto de la catedral de Pisa. Aun así hay diferencias notables según las zonas geográficas. En Lombardía tiene bóvedas bajas y arquillos ciegos llamados arcos lombardos que adornana las fachadas, como san Ambrosio de Milan , en Emilia Romagna y en Toscana se reconocen modelos clásicos en las catedral de Módena, parma y Pisa, en el sur y en Sicilia se mezclan influencias diversas, bizantinas, normandas y árabes, que dan como resultado unas construcciones muy peculiares, decoradas con mosaicos, como en la catedral de Monreale.

El románico español.

En la península Ibérica hay que distinguir : en Cataluña con un temprano desarrollo, hay que disnntguir, junto a las iglesias rurales importantes por sus conjuntos pictóricos, coom sant Climent de taull, destacan por la influencia lombarda Sant Vicenç de Cardona y la catedral de la Seu d'Urgell; . En Aragón se empieza hacia el año 1080 la catedral de jaca,el monumneto más iportante, catacterizada por su magnificiencia, . Como en Navarra, el camino de santiago actúa como difusor de influencias que se perciben en iglesias como la de Sanguesa. En los reinos de Castilla y León se difunde gradualmente a ambos lados del camino de Compostela, cuya catedral es una obra cumbre del estilo. Los conjuntos monacales Utilizando los mismos parametros constructivos que las catedrales y las igleias, los monasterios fijaron la distribucion de todas las dependnecias del recinto monacal. En los monasterios, pensados com una ciudad ne sí misma, los espacios importantes ( iglesia, sala capitular, dormitorio, refectorio, cocina, biblioteca..) se estucturaron alredero dle claustro, un patio central ajardinado ( símbolo del a vida ne común, el recojimiento y la oración9 dodnel os monjes llevaban a cabo sus meditacines perosnales. En Cataluña destacan los conjuntos monacales de Santa María de Ripoll, Sant mMrtí dle Canigó y San Juan de les Abadeses, y en Navara el de San Savavdor de leyre.

LOS FRESCOS DE SAN CLIMENT DE TAHULL

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ANÁLISIS

A continuación pasamos a realizar el análisis y cometario de una obra de arte . La obra propuesta es  el conjunto de frescos de la iglesia románica de San Climent  de Tahull.

El fresco está situado en el ábside en un lugar que, en principio, desaconseja  la pintura pues es un espacio cóncavo que resta protagonismo  y dificulta la labor de plasmar las imágenes.  La pintura románica es totalmente dependiente de la arquitectura y contribuye a  difundir el mensaje que el edificio de la Iglesia transmite. La iglesia es la casa del señor y es el lugar donde los feligreses acuden a pedir a la salvación. Estos aspectos de la simbología de la pintura   y del arte románico en general los desarrollaremos más adelante en el comentario.

Como  hemos dicho es un fresco pero en este caso  se retoca con el temple permitiendo  la aparición de tonalidades y  profundidad, así los colores no son totalmente planos. El uso del fresco exigía una serie de preparaciones sobre el  muro de acondicionamiento previo. Se superponían varias capas de cal fresca y sobre esta se empezaba a dibujar, muchas veces con un dibujo preparatorio previo,  de tal  manera que el color se imprimía en la pared y resultaba con más brillo.  De hecho, en el caso de las pinturas de San Climent, estas fueron retiradas de sus muros  pero aun se conservan huellas de las escenas en las capas  más profundas.



 Así al artista románico  tenía que trabajar de manera muy rápida  y completando grandes superficies en poco tiempo. Los colores son fundamentalmente planos pero en este caso presentan la singularidad de estar retocadas al temple, que como hemos dicho, le dan cierto carácter de profundidad  del que otras pinturas románicas carecen. Estos colores, planos  y   puros, aplicados a grandes superficies aplanan la composición. Su gama es muy enriquecida (azul, verde) y lo alejan del románico francés para acercarlo más a los modelos bizantinos,  llegados seguramente a través de Italia. Acuden a nuestra  imaginación aquí los iconos bizantinos o incluso los mosaicos de san vital de Rávena  

  


Todo esto, unido a los colores planos,  está el predominio casi absoluto del trazo, en concreto una  línea negra gruesa que sirve para determinar los contornos y reforzar la idea  que se quiere representar. Además aquí el uso del color no es en absoluto al azar, sino que hay una fuerte implicación simbólica en su elección ( azul-divinidad, por ejemplo) Esta línea enérgica  dibuja en unos pocos trazos la figura principal del Cristo Pantocrátor, el rostro de este se puede resumir en líneas dispuestas geométricamente, que contribuyen a profundizar en esa idea de solemnidad y eternidad buscada por la pintura románica. Triángulos, semicírculos  componen el rostro de Cristo  y dibujan los pliegues de los ropajes. Esta búsqueda de la geometría ayuda a agrandar al Cristo y le da ese aire solemne y atemporal que hemos comentado antes.
 La perspectiva desaparece y lo única que queda es la llamada perspectiva jerárquica  en la cual se tiende a representar a mayor tamaño aquellos aspectos más importantes.  En este desinterés por el espacio característico de la pintura románica va a jugar un papel fundamental el color, pues el fondo  se compone, no de referencia arquitectónica o paisajísticas, sino de bandas  horizontales de color  que recuerdan más a los fondos de las ilustraciones de un Beato, como el famosos Beato de Liébana, que fácilmente los podemos reclamar como fuente de inspiración para esta obra. El interés por el movimiento que podía interesar a los artistas de otras época aquí desaparece por el hieratismo más absoluto y la frontalidad, no hay ningún tipo de preocupación por la anatomía que se reduce a meros esquematismos en pies y manos  y sí una búsqueda por la simetría  y el equilibrio, además del llamado horror vacui característico. Finalizando con los aspectos técnicos tenemos que decir que las líneas crean una composición totalmente cerrada que  atrae la atención, justo a la zona del ábside, reforzando así el mensaje religioso.

La  temática es religiosa y en concreto se representa  una escena del Apocalipsis del san Juan, en el aparece Cristo Pantocrátor o Cristo en Majestad, cumpliendo con todos los preceptos de la representación de la Gloria del Señor o Maiestas Domini . En ella apar3ece Jesucristo en el día del Apocalipsis, con la biblia en la mano, donde se puede leer ” Ego sum  lux mundi” ( Yo soy la luz del mundo)  las letras griegas Alfa y Omega ( Yo soy el Alfa y el Omega, el principio   y el final), la figura de Cristo está en la mandorla o almendra mística y a su alrededor se disponen el Tetramorfos, es decir, los cuatro evangelistas, acompañados de sus símbolos ( e león, el buey, el hombre y el águila)
 El conjunto se divide entres planos : el Cristo Pantocrátor en el ábside, después una hilera, con los apóstoles y la Virgen María, como intercesores de la Humanidad ante Dios yen un tercer plano , debería encontrarse el plano terrenal , pero este se ha perdido.

El conjunto se beneficia de la existencia de una ventana que  rompe el ritmo de los apóstoles, pero sobre la que se sitúa la figura de Cristo, redundando así en la idea de salvación  a través de Jesucristo. Además durante la celebración de la misa, los rayos de luz debían deslumbrar a los feligreses, realzando ese  mensaje de salvación a través de Cristo.

COMENTARIO

Pasamos ahora a  comentar los aspectos más significativos de esta obra. Veremos aquí por qué esta obra ha pasado a ser ejemplo cumular de la pintura románica española, y aun, europea.

Los frescos de San Clemente son el arquetipo de la pintura religiosa románica .Se tata de una pintura de gran complejidad simbólica, basada en el trazo convencional, en colores puros e intensos, en la geometría de las formas y en el desapego por la perspectiva ( espacial) el resultado es una fusión entre  la iconografía bizantina, el clasicismo paleocristiano y  lo códices  y miniaturas prerrománicas ( Beatos)

Los frescos de  san Clemente no fueron fruto de la evolución de la pintura de la región, sino una creación única en la que se unen multitud de factores ( influencias italianas, francesas, mozárabes…) cuyo impacto provocó innumerables imitaciones (Santa  María de Tahull, San Juan De Tahull…)  que no lograron superarlo. El maestro de Tahul, probablemente italiano, parece adscrito a la influencia que llegaba de Italia y que arraigo en Cataluña  a principios del siglo XII.

Merece mención aparte la cuestión de la finalidad de la pintura románica. Como hemos dicho, la preocupación del artista románica no era representar la belleza de los cuerpos, no un paisaje hermoso, sino transmitir  fácilmente, de una manera muy expresiva, la fuerza de un mensaje religioso, la idea del Juicio Final. La pintura contribuye así al papel de las Iglesias como trasmisoras de un mensaje, Evangelios en piedra se ha dicho de ellas. Además la pintura románica, unido al marco especial de la arquitectura románica (de interiores oscuros), de dimensiones casi humanas, tiene un papel en la liturgia de rodear al fiel  y unirlo al rito religioso, por ello algunos teóricos han hablado del “realismo mágico” de la pintura románica, por que contribuiría a crear un ambiente místico  en unión a la luz de las velas, la misa y la arquitectura, en la que sobresaldrían las figuras poderosas de Cristo pantocrátor.  

LA PLÁSTICA ROMÁNICA

 

La plástica románica.

Introducción y características

INTRODUCCIÓN: la imagen se concebía como explicación de la doctrina, por lo que adquirió una importante función expresiva y simbólica.

El temor a Dios

La icono grafía románica tiene una función expresiva y simbólica. Las imágenes envían un mensaje y encarna un poder sobrenatural . Un buen número de imágenes desean expresar la omnipotencia divina . además es diversa y son motivos frecuentes aquellos que exaltan la gloria y el triunfo de Cristo , como la Ascensión a los cielos, o sobre todo, la Maiestas Domini, la visión apocalíptica de cristo en majestad, como en las iglesias francesas de San Pedro de Moissac o Santa Magdalena de Vezelay

La Iglesia trata de instruir a los fieles en el cumplimiento de los preceptos divinos que, en medio de las precariedades mundanas, les permitan alcanzar la gloria eterna. Por eso también abunda la representación del Juicio Final , visión reveladora de lo que le espera cada uno , que alcanzará su premio o castigo. 

La imagen, trasmisora de las verdades de al fe.

Las imágenes románicas, pintadas o labradas sobre el muro, o bien exentas, se integran en el templo para completar y confirmar un carácter simbólico. Así presentan el edificio como una anticipación de la gloria divina sobre la Tierra y como un resumen de las verdades que los fieles deben respetar. Para el hombre medieval, las imágenes eran verdaderas lecciones que ilustraban las verdades de al fe y los episodios sobresalientes de la Escritura. Los temas están tomados del Evangelio, de las vidas de los santos (hagiografías), del Antiguo Testamento y , especialmente, del Apocalipsis de San Juan. Estos asuntos sagrados tenían en gran medida iconografías de raíz paleocristiana y bizantina.

Durante el románico fue asentándose también la iconografía de Cristo crucificado , que aparece eterno , triunfando sobre la muerte; así, fueron muy frecuentes las imágenes exentas o marfiles que desarrollan este tema y que se colocan sobre el altar.

Junto a estos temas sagrados había otros, sobre todo aquellos en los que el artista expresaba sus inquietudes y los aspectos de su vida cotidiana, en los que el románico crea su propia tradición o bien se inspira en las fuentes más dispares. Es el caso, por ejemplo, de los seres fabulosos con los que se representa el pecado o el demonio, inspirados en los bestiarios de origen oriental.

Influencia posterior

Es precisamente la abstracción de la realidad visual, la despreocupación por representar los rostros, los músculos y movimientos como son, o como se ven, lo que impregna al a plástica románica de una extraña espiritualidad y la convierte en fuente de inspiración para las escuelas de vanguardia del siglo XX, que tampoco desean representar la naturaleza, sino indagar en un mundo que está más allá de lo visible.

LA ESCULTURA

La escultura es el arte decorativo de los siglos del románico, de la misma manera que el mosaico lo es del edificio bizantino.

Nota peculiar será por lo tanto la subordinación al espacio arquitectónico, especialmente en los capiteles, cuya configuración obliga a retorcer la figura en posiciones acrobáticas, o a cincelar una sola cabeza en el ángulo para dos cuerpos romper las proporciones con unas extremidades muy cortas. El escultor no se amilana ante las dificultades o incorrecciones porque su obra tiene una función de lenguaje, de ilustración en una época en la que los fieles analfabetos leen las historias sagradas en los relieves, circunstancia que convierte las iglesias en evangelios en piedra.

¿De dónde toma sus temas el artista románico, que llena capiteles, pilas de agua bendita , tímpanos y arquivoltas de figuras humanas contorsionadas, follajes, , monstruos, visiones infernales.? La relación entre la iconografía escultórica y la iconografía pintada parece indiscutible: temas y concepciones casi idénticos parecen encontrarse en las miniaturas de los libros y en las primeras pinturas murales. Pero en todo caso quedaría sin explicar la irrupción en el arte cristiano de este mundo irreal. Se ha sugerido que expresa los miedos del hombre del año mil, pero, sin excluir esta hipótesis, la repetición obsesiva en la representación de monstruos parece haber sido estimulada por las fantasías del mundo oriental , conocido en Occidente a través de las Cruzadas.

El antinaturalismo , la desconexión de lo representado con cualquier modelo real , es probablemente una herencia del arte bizantino . ¿Explica esta ruptura con la realidad los rasgos de tosquedad, quizás lo más perceptible y característico de cualquier figura o relieve románicos? Es una cuestión debatida y no resuelta. Por otra parte el modelado recuerda los períodos arcaicos de otras culturas: mejillas sin blandura, labios solo alineados, posturas hieráticas, carencia de expresión en los rostros .La falta de volumen , el carácter plano , la apariencia frontal del primer románico , se añade como otro signo de arcaísmo. Una hipótesis asigna estas limitaciones al lenguaje rudo de una época que ha olvidado el culto de la forma bella clásica. Así escribe JEAN HUBERT “Nada autoriza a considerar como errores conscientes y voluntarios el exagerado alargamiento de los cuerpos, las anatomías defectuosas, las perspectivas extrañas” En esta versión se trataría de un arte instintivo, infantil.

Es posible que se trate de “errores inconscientes”, de un arte por naturaleza arcaico. Pero no faltan los argumentos para estimar que se trata de “errores conscientes”, de que voluntariamente el artista románico utiliza la metamorfosis o simplemente la deformación para expresar, olvidado ya el culto de la forma bella clásica, toda la espiritualidad de las vivencias religiosas. El sociólogo VON MARTIN y otros autores han subrayado que el Cristo rígido, que no sufre en la cruz, plasma la concepción de un Dios que triunfa, y la Virgen con el Niño, la de la Señora en su trono, como Reina (será el gótico el que plasme en la cruz al Hombre que sufre y el que represente también a la Virgen como Madre). Así podría explicarse la contradicción entre la rigidez de los miembros y el ritmo dinámico de muchas composiciones.

Evolución de la escultura

A lo largo de dos siglos la escultura no deja de evolucionar. En el primer románico los frisos son copias de de obras en marfil, metal, telas, etc., con figuras encuadradas en un marco rectangular y sin función arquitectónica.

Las primeras esculturas aparecen en la primera mitad del siglo XI adaptándose al marco arquitectónico, lo que llega a ser una de sus características. Los escultores adquieren cada vez más destreza a la hora de responder a esa exigencia, aunque los miembros se estiran o atrofian , según sea necesario.

 En su momento clásico, el siglo XII, ya la figura está concebida para un lugar determinado y definida por su marco arquitectónico, lo quo obliga a variar el canon en los conjuntos e imprimir movimiento.

Si al  principio se reconocía un lenguaje muy estereotipado , con recursos representativos muy convencionales, y una forma muy simple de talla ahora da paso gradualmente a mayor naturalismo, en ocasiones de inspiración romana. Esto se percibe más en Italia, como , por ejemplo, en los relieves de la catedral de Modena por Wigliemo, que probablemente se inspiró en los sarcófagos romanos.

En la última época la riqueza en los pliegues dinámicos y el bulto redondo muestran en olvido de la función arquitectónica y la búsqueda de efectos pintorescos o anecdóticos. En todos los aspectos el cambio es perceptible: en las vestimentas, en el volumen, en las expresiones.

Así, al final de período románico el escultor empieza a liberarse del marco y comienza a interpretar las figuras con mayor libertad. La simple caracterización de los rostros da paso a un estudio de los rasgos faciales y la vestimenta adquiere valores táctiles. Uno de los artistas en los que culmina este proceso es en el maestro mateo, autor del Pórtico de la Gloria de la catedral de santiago de Compostela.

LA PINTURA 
Casi siempre se trata de pinturas al fresco , realizadas sobre las propias paredes del interior de las iglesias, que cubren amplias superifices con la intención de configurar una ambiente espiritualmente sobrecogedor.

Están realizadas con trazos gruesos y colores planos , de gran intensidad. Son imágenes sintéticas, con los elementos esenciales, sin concesiones naturalistas, por lo que resultan hieráticas y convencionales, aunque con gestos muy expresivos, de efecto imponente. Van acompañadas de símbolos , que sirven para caracterizarlas de forma individual. El discurso narrativo se encadena jerarquicamente, mediante bandas o cenefas, en las que se insertan las figuras, de manera que no existe el efecto de perspectiva. Gustan del sentido decorativo que proporciona la simetría, como si cada figura encajara en un hueco determinado.

La plástica románica en España. La pintura

En 1907, en el momento en el que el rechazo al arte académico es patente y encuentra su manifiesto en Las chicas de la calle Avinyó de Picasso, se suscita una gran curiosidad por los posibles precedentes; en ese momento se descubren y empiezan a estudiarse las pinturas románicas de Berlanga y Maderuelo, punto de partida de hallazgos continuos durante treinta años. Es un arte fascinante, en el que España muestra un genio singular. No obstante debemos aceptar que sólo conservamos las pinturas de las iglesias más humildes, ya que las más ricas se sometieron a revocos y reformas que destrozaron para siempre las páginas de esos siglos.

INFLUENCIAS. Las raíces de la pintura románica.

¿De dónde procede este arte dramático e ingenuo a la vez ? En primer lugar la síntesis de la silueta mediante grandes rayas y el aire hierático tienen un ascendente en el mosaico bizantino, sometido a un gran proceso de revitalización en el sur de Italia. En segundo lugar, las miniaturas de los códices mozárabes ( Beato de Liébana) , con sus estilizaciones dibujísticas, sus pliegues paralelos y sus rasgos desorbitados contribuyen a que los esquemas bizantinos pierdan su carácter de fría impasibilidad para asumir la representación de las pasiones humanas. Así se desemboca en este capítulo original y breve, ya que la desaparición de los muros continuos (por el gótico) y las bóvedas y los ábsides lisos puso fin a esta experiencia de pintura mural.

Características principales

Desde el punto de vista formal la pintura románica se caracteriza por varios rasgos:

• Dibujo grueso, que contonea enérgicamente la silueta y separa con un trazo negro cada superficie cromática ; con esta intensificación se explota el poder del dibujo para la construcción de formas. La seguridad de la siluetación es admirable en las superficies curvas , en las que los artsitas llegan a sentirse tan cómodos como en el trabajo de las superficies planas.
• Color puro, sin mezclas, o a lo sumo con dos tonalidades. Se prefiere el plano cromático amplio, en el que se obtienen efectos violentos y con el que se expresa muchas veces algún simbolismo medieval.
• Carencia de profundidad y de luz. Las figuras se disponen en posturas paraleleas y con frecuencia resaltan sobre un fondo monocromo o listado en franjas horizontales de diversos tonos. Al no proceder a la mezcla de los colores las escenas carecen de vibración lumínica, ausencia que contribuye a resaltar de forma más poderosa la geometría de las formas.
• Composición yuxtapuesta; preferencia por las figuras frontales y por la eliminación de cualquier forma que rompa el plano .En los grupos las figuras no se relacionan hasta el románico tardío, alrededor del 1200.
• El muro se prepara al fresco, de forma tan concienzuda que arrancadas las pinturas de Berlanga o de Tahull, quedan siluetas y colores adheridos a la cal ; quizás los toque finales se dieran con temple, lo que ha contribuido a mantener la riqueza de los tonos .

La concepción antinaturalista de la pintura románica.

En cuanto a la concepción que inspira al técnica se tata de un arte antinatualista, postura que continúa al a del mosiaco bizantino; el artista románico prefiere plasmar viviencias religiosas antaes que reproducir formas reales. De este antinaturalismo se deduce la ausencia de paisaje. O su representación esquemática, con elementos convencionales. A veces los gestos solemnes del Pantocrator, el Cristo Majestad rodeados de símbolos de los evangelistas, que es tema preferente en los ábsides, posee la grandeza de als amenzasa apocalícpticas; otras ,adoptando una líes de candor infantil , se le confiere a las escenas de martirio un tono narrativo desprovisto de cualquier nota dramátca.

El género por excelencia es , pero en tabla, en los frontales del  altya r, se pintaron también obras notables.

Cataluña, , con una más intensa  recepción de la tradición levantina, y Castilla, con un desarrollo más amplio de la aportación de la miniatura, son las dos escuelas fundamentales.
LA PINTURA ROMÁNICA EN CATALUÑA

La vertiente simbólica  y dramática del estilo se manifiesta con plenitud en las iglesias románicas de Cataluña cuyas pinturas trasladadas al Museo Nacional de Arte de Cataluña, convierten a este  en uno de los más interesante recinto del arte medieval. La técnica utilizada por los pintores catalanes es compleja: para la primera traza se recurre al fresco , pero se retoca y amplía la gama de colores con le temple y una solución grasa  en la que podría mezclarse aceite.

 La iconografía muestra inclinación a la representación del pantocrátor en actitud solemne , rodeado de lo evangelistas o de sus símbolos, conjunto para el que se reserva el ábside;los restantes temas se reparten  en escenas de la vida de Jesús o de la Virgen María, pasajes del Antiguo testamento o simbolismos de la corte celestial, y en alguna ocasión incluso temas funerarios paganos, como en Pedret.

En el maestro de Pedret, que trabaja en la iglesia mozárabe de San Quirce el cambio es sustancial. Probablemente se trate  de un artista de origen italiano  del a segunda mitad del siglo XII y que se desenvuelve en lo que se ha llamado el estilo bizantino, transformado en Cataluña, en efecto sus figuras alargadas y cubiertas de ricas vestiduras continúan la tradición del mosaico , de Bizancio y  de los monasterios benedictinos del sur de Italia, mas la gama  de color se ha enriquecido  ( carmín, bermellón, amarillo, azul...)  yal recurrir al estudio del natural  cuando la iconografía no le proporciona  el modelo; obtiene rostros intensamente expresivos que rompen las  soluciones esquemáticas corrientes.es.es.

 Quizá algunos años más tarde pro estilistamente correspondientes a una fase más avanzada  del estilo son las pinturas de las dos iglesias de Tahull, en las que el románico catalán alcanza su máxima cota.

Abundan en las dos iglesias los hallazgos de expresión , en la virgen rodeada  por los magos del ábside. El románico culmina en el ábside de San Climent  y más concretamente en el rostro del Cristo majestad, en los trazos dispuestos  como aureolas en torno a los ojos penetrantes y terribles. Su frontalismo estático  es de raigambre bizantina, no obstante su vigor expresivo  demuestra que los artistas catalanes han buscado una vía diferente  a la de los mosaicos para expresar la grandeza de la divinidad.  En esta obra maestra del arte medieval  se ha conseguido  una de las más fuertes estilizaciones  de la figura humana.

LAS PINTURAS DEL ABSIDE DE SAN CLEMENTE DE TAHULL

  Al pueblecito de Tahull , en el leridano valle de Boi, llegan avanzado el primer cuarto del siglo XII, dos pintores que se encargarían del recubrimiento  ornamental de las dos iglesias románicas de Santa Maria y san Clemente. Son dos  artistas de procedencia italiana, pero que han incorporado las técnicas expresivas de miniaturustas  y muralistas hispano.  Las pinturas deTtahull , en la actualidad en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, constituyen la más alta cima del románico catalán y una de las cumbres del románico medieval , sibien  nos vamos a centrar en las pinturas de San Clemente, el episodio más genial  de las os iglesias..

La perfección del ábside se explica  por la simbiosis de una artista excepcional  y una tradición tenaz de búsqueda  de recursos expresivos de varias escuelas.

Tres corrientes artísticas han de señalarse en el camino que desemboca  en la obra maestra:

• la bizantina, con su espiritualidad solemne , difundida por todo el mediterráneo  y que el artista aprendió en Italia;
• la árabe con su caligrafía ornamental , que rompe el hieratismo de las fórmulas bizantinas;
•  y la mozárabe, que en las miniaturas del beato de Liebana han conseguido con sinceridad naturalista dotar los rostros  con una fuerza expresiva poderosa.

En principio una ábside ofrece  una superficie poco propicia para la expresión plástica, pero los artistas romanicos aprendieon  a convertir su curvatura  en un recurso intensificador y se sintieron cómo dos para diseñar sus composiciones  como una superficie plana . Y su función de cabecera de la iglesia , cobijadora del altar  y punto de referencia  de los ritmos de las naves, convirtió al ábside en el lugar clave de las representaciones iconográficas.

LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA

SANTIAGO DE COMPOSTELA

LA CONSTRUCCIÓN DE LA BASÍLICA .

En el poderosos conjunto constructivo de la basílica compostelana, meta de los peregrinos europeos, culmina el románico español, y aun, en muchos aspectos el continental. En coincidencia con le gran impulso que da a la Reconquista Alfonso VI, el obispo de Santiago , DIEGO PELAEZ, pensó en demoler varias iglesias con le ánimo de levantar un gran santuario que superase a los que tanto encomiaban los peregrinos franceses. Las obras se iniciaron en 1075 y, con dos interrupciones, se terminaron 30 años después, consta que el arzobispo DIEGO GELMIREZ consagra la catedral en 1105.

LOS ARTÍFICES

De los maestros constructores sabemos poco más que sus nombres y que, como demuestra la primera traza, pudiera ser que procediesen de Normandía. El Códice Calixtinus anota que inició las obras Bernardo el Viejo, con cincuenta canteros bajo sus órdenes. Poco después interviene el maestro Esteban, que marcha a Pamplona a construir la desaparecida catedral románica, y la crónica compostelana suministra datos de un tal Bernardo el Joven quien remata algunas partes después de la consagración. La unidad de la basílica porque probablemente los diseños del primer arquitecto, a quien se debe la cabecera. Aparte de su categoría estética Santiago constituye un ejemplar único en tres aspectos fundamentales que pasamos a comentar:

• La creación de un espacio para la circulación de masas, como correspondía a la iglesia que es meta final de las peregrinaciones,
• El carácter de compendio del prerrománico,
• Y sus innovaciones.

SINGULARIDAD DEL ESPACIO PARA PEREGRINOS

Con su planta de cruz latina, girola con capillas radiales, ábsides colaterales y tres naves que continúan en el crucero encontramos una vez más el esquema de las denominadas iglesias de peregrinación, concebidas para que los fieles puedan efectuar un itinerario desde la entrada y contornear en la girola el sepulcro del santo titular. Santiago cumple esta función con una concepción del espacio que desborda las concepciones de las catedrales francesas. La girola, testero extraño en el románico español, que prefiere los ábsides, es de grandes proporciones, en consonancia con las necesidades de una Ciudad Santa de la Cristiandad.

Pero lo que supera a las fábricas precedentes es la dimensión del crucero, con seis tramos en cada brazo y la misma longitud que la distancia axial entre el tramo central del cimborrio y el primero de la nave central , donde se levanta el Pórtico de la Gloria. De la misma manera el triforio , otro elemento inusual del románico peninsular , es de grandes dimensiones que puede cumplir una función de tráfico o alojamiento de peregrinos. Esta organización constructiva dota al interior de na perfecta funcionalidad para combinar el movimiento de grandes masas con le desenvolvimiento paralelo del culto.

COMPENDIO DE SOLUCINES ARQUITECTÓNUICAS ANTERIORES

el carácter de compendio procede de que en su fábrica intervienen soluciones anteriores prerrománicas, románicas españolas y francesas, andalucismos musulmanes e incluso, en menor medida, elementos antiguos recogidos en Italia.

• Del prerrománico toma la aplicación de contrafuertes exteriores, típicos de las construcciones asturianas y pasan a Santiago después de haberse aplicado en Fromistra ;
• del románico exterior español adopta la disposición de la cabecera de Jaca y la combinación de nave central de cañón y laterales de arista de San Isidoro de León ;
• del mundo musulmán el empleo de lóbulos decorativos en la capilla mayor y en la fachada de la Platerías;
• pero sobretodo del románico francés, del románico francés, del que adopta la girola, el triforio y la prolongación de las naves en el crucero .Santiago es la meta de rutas de Tours, Conques, Limonges, Toulouse y el parentesco lógico no hace más que reforzar esta categoría cumular del a basílica de Compostela.

INNOVACIONES ARQUITECTÓNICAS EN SANTIAGO.

Sus aportaciones no son menos interesantes . En primer lugar, las proporciones , -casi 100 metros de longitud, naves laterales de cinco metros, central de diez- y las relaciones entre las medidas de sus partes .Más notable todavía, su altura; no se trata de metros sino de sensación ( de elevación) conseguida por el elevado peralte de los arcos . Y como ejemplar heterodoxo dentro del románico , su técnica de iluminación , ya que las proporciones amplias del triforio permiten la consecución de una zona luminosa en lo alto de la nave central en contraste con la penumbra del suelo . 
 

FUENTE: Historia del Arte. A. FERNÁNDEZ, E. BARNACHEA Y J. R. HARO. de. Vicens Vives S.A. 1996. Barcelona.

ACTIVIDADES. ARTE ROMÁNICO

Analiza y  comenta la siguiente obra

Laminas 1 y 2 . Pórtico de la Gloria,. Catedral de Santiago, Compostela.
Siglo XII. Maestro Mateo.

A continuación vamos a comentar la obra artística propuesta para el ejercicio primero. Como es habitual primero desarrollaremos el análisis técnico para después profundizar en los aspectos estilísticos y finalmente abordar el comentario de la pieza comentando sus rasgos más importantes.

La obra propuesta es el llamado “Pórtico de la Gloria “ del Maestro Mateo. En las láminas 1 y 2 podemos ver dos fotografías en un plano general de la obra pues esta es una obra arquitectónica pero supeditada al edificio arquitectónico, es decir, la catedral románica

La obra es una pieza tallada, usando diversos sillares y puestos después formando una única pieza. Es un conjunto escultórico , pues representa una escena de conjunto que después analizaremos con más profundidad.

Como hemos dicho es una pieza tallada, en la que se trabaja con un material específico , el granito , que le da una tonalidad grisácea característica y además entronca con las cualidades propias de la tierra donde se halla ,Galicia, pues son habituales en las obras arquitectónicas de este área el uso del granito como atestigua la propia catedral de Santiago . Pero la elección de este material no es arbitraria ni se debe sólo a que sea un material cercano, por que el granito le garantiza al artista románico unas cualidades estilísticas propias, como son las líneas bien definidas o la dureza del material que trasmite la idea de eternidad propia de un edificio sagrado

Como hemos dicho es una pieza tallada formando un inmenso relieve que ocupa todos los espacios del pórtico. El relieve adquiere profundidad en determinados espacios o figuras( la figura del Cristo en Majestad) y se empiezan a perderer aspectos que predominaban en la escultura románica, como son las figuras aplanadas y la geometrización excesiva. Se va abandonando poco a poco el hieratismo característico del románico por una emoción y una comunicación entre las figuras más propias de otra época.

Como hemos dicho , el relieve es dependiente de la arquitectura y como tal ocupa aquellos espacios propios que la arquitectura le reserva: fachadas y capitele . La situación e importancia  de la escultura en las portadas románicas no es casual pues por ella se entra a la iglesia y es por tanto un espacio donde el fiel puede prestar máxima atención a todos los detalles que se le presentan .Como hemos dicho ,  durante todo el período románico la escultura estará supeditada a la arquitectura, aunque en estra obra ya empezamos a ver como las figuras empiezan a independizarse, sobre todo en las figuras de los apostoles de las jambas,  que ya no tienen que estilizarse de manera imposible para ocupar todo el espacio sino que se diferencia la columna  y el apostol delante de ella.  

Así la escultura aprovecha para situar en cada espacio su mensaje. La escena principal esta tomada del Apocalipsis de San Juan. En ella aparece la Maiestas Domini o Cristo en Majestad , una figura que aunque mantiene la idea de autoridad empieza a perder severidad, ya no es un dios amenzante , sino un Dios sereno . A su alrededorse sitúa el tetramorfos, es decir, los 4  evangelistas, acompañados de sus símbolos: el hombre, el águila, el león y el buey . El resto del tímpano semicircular esta cubierto por escenas más pequeñas propias de la temática del Apocalipsis y el Juicio Final . Estas figuras están representadas a un tamaño mucho menor, cumpliendo con la idea de la llamada perspectiva jerárquica, también característica de  la escultura románica, que representa a mayor tamaño los aspectos o personajes más importantes. Además se cumple con el principio del horror vacui , es decir se completan todos los espacios , sin dejar ningún espacio abierto. Las arquivoltas se decoran con esculturas de los 24 ancianos del Apocalipsis , tocando  cada uno de ellos con un instrumento diferente . En este caso la precisión ha sido tal que ha permitido en tiempo modernos recrear los instrumentos musicales propios de la época. Además  los apóstoles se disponen sobre las jambas de la puerta. Sobre le parteluz o mainel se sitúa la escultura del santo patron , Santiago. ESta vocación por transmitir un mensaje conicide con la idea de la plástica románica como s "evangelios en piedra", es decir, que la finalidad del a plástica románica, además de embellecer y deleitar era transmitir eficazmente un  mensaje religioso, tiene una clara finalidad didáctica.
El Pórtico de la Gloria  ,de finales del siglo X II,es obra del maestro Mateo , que dirigió su decoración desde sus inicios , y se encuentra la traspasar la portada occidental. Esta había sido en época dle románico , la entrada prinicpal de la catedral , aunque en el siglo XVII quedó oculta  por la fachada del Obradoiro.
Com ya hemos dicho , la rigidez  y el hieratimso  propios del primer románico desaparecen para pasar  a ser personajes  más humanizados  y con un cierto grado de naturalismo . Lo mismo que ocurre con la figura de Cristo que, a diferencia del Cristo Juez delp rimer románico , de elevado tono apocalíptico , se nos muestra coom Dios piadosos que ofrece la slvación. En ete aspecto la obra elegida es un fiel representante del cambio de tendenia que se da en el paso del romániuco al gótico .
Además también es significativo que conozcamos el nombre del artista, el llamado Maestro Mateo , este es de los pocos artistas románicos que han dejado su nombre para la posteridad, como el escultor Giselbertus de la catedral de Autu . Dicha excepcionalidad viene a redundar  todavía más en la grandeza de una  obra que ya  soprendía en su tiempo.