LA ESCULTURA GÓTICA

LA ESCULTURA GÓTICA

INTRODUCCIÓN: heredera de la románica, la escultura gótica desarrolla una gran profusión de temas y un gusto por el realismo cada vez mayor.

La humanización de la escultura.

La escultura góticas fue liberándose, poco a poco, de la férrea sujeción y subordinación al marco y espacio arquitectónico, aunque se mantuvo estrechamente ligada a la decoración de los edificios religiosos. Al igual que la arquitectura, la escultura tuvo su origen en Francia, donde durante los siglo XII y XIII se esculpieron gran cantidad de obras, sobre todo en las portadas de las nuevas catedrales.

La ornamentación de la portada catedralicia

Las portadas con escultura de época gótica son herencia de las románicas, tanto por su sentido didáctico como por el emplazamiento de las piezas, que ocupan el tímpano, el dintel , las arquivoltas, el parteluz, y las jambas, configurando así lo que se ha dado en llamar una portada real. Además, las portadas góticas llevan gabletes, coronamientos apuntados de un muro o de un vano . No obstante hay diferencias formales o iconográficas: por una lado, aunque conservan la referencia del marco , las figuras aparecen más independientes y , sobre todo, muestran unas actitudes o sentimientos humanos, como la dulzura en la Virgen o el sufrimiento en Cristo; por otro, cada fachada tiene un programa iconográfico.

En Chartres, por ejemplo, la fachada oeste hace referencia al vida de Cristo, la norte a la de María y la del sur a los santos y al juicio final .Aunque no siempre hay una regulación estricta, es habitual encontrar estos ciclos temáticos en ñas portadas, de manera que se reconocen escenas concretas de la vida de la Virgen , como la Anunciación, la Visitación o el transito o de las vidas de lso santos, inspirados en la leyenda Dorada de Jacobo de Vorágine.

En el interior de los templos la decoración escultórica está únicamente presente en púlpitos y en el coro.

Características de la escultura gótica

las figuras escultóricas de este período -originalmente policromadas- se humanizan a través de diferentes recursos:

• la estilización y el redondeo de las líneas
• la elegancia de los movimientos.
• La captación de un cierto naturalismo en los gestos y en la expresión de sus rostros.
• Un preocupación por la corporeidad y volumetria de los ropajes y los cuerpos .

Paralelamente ya se empieza a advertir un marcado sentido narrativo en las figuras representadas. Realizadas en piedra, las temáticas más recurrentes fueron el Juicio Final del Apocalipsis y la Viren Maria. Esta se convierte, gracias a la orden del Cister, en la imagen simbólica de la Iglesia.

Origen y evolución de la escultura gótica

La liberación de la escultura y la aparición de la escultura exenta.

Ya en el siglo XIII, proliferaron las esculturas exentas en las llamadas estatuas-columnas , que decoraban las jambas y el parteluz de las portadas catedralicias, dándose así el primer paso hacia la independencia de la escultura respecto al marco arquitectónico.

Este proceso de independencia o autonomía de la escultura tuvo su desenlace durante el siglo XIV, principalmente de la mano del escultor francés Claus Sluter. La escultura se hizo totalmente autónoma en el siglo XV, con la aparición de los retablos escultóricos y la proliferación de imágenes de devoción exentas y los sepulcros.

• Las imágenes de devoción
   
  

  Durante los siglos XIII y XIV , los talleres parisinos alcanzaron gran destreza en el tratamiento del marfil , la eboraria, en la que habría de inspirarse la escultura monumental. Se trata de piezas de pequeño tamaño, delicadas y elegantes. Muy modernas desde un punto de vista estilísitco , pues en ellas parecen caracterizados los sentimientos.

  En Inglaterra, durante los siglos XIV y XV, se trabajó la escultura de alabastro, también son figuras de reducidas dimensiones, que se exportaron al continente , gozando de gran aprecio entre la burguesía

  Francia lideró , desde un inicio, la evolución de la escultura gótica, siendo un modelo rápidamente imitado en el resto de países europeos , a excepción de Italia. Allí se gesta un modelo estilísticos distinto al del resto de Europa en lo que se refiere a la forma de concebir las artes figurativas. El trabajo escultórico, tradicionalmente desligado de la arquitectura, produjo un rico lenguaje expresivo en obras exentas, en púlpitos de mármol y en puertas de bronce, ilustrando un estilo inspirado en la antigüedad clásica y con ciertas influencias bizantinas.

  En Pisa trabaja Nicola Pisano, autor, en 1260 , del púlpito del baptisterio de la catedral ,un elemento que alcanza gran importancia en Italia. Está levantado sobre columnas que sostiene un gran prisma; cada una de sus caras se cubre con esculturas, lo mismo que las enjutas de los arcos, aunque los cuerpos son algo cortos de talla, las figuras tiene un fuerte relieve, con cabezas muy clásicas.

  En Borgoña trabaja , a fines del siglo XIV, un gran escultor , Claus Sluter, caracterizado por un estilo monumental y realista, su obra maestra es el Pozo de Moisés en la cartuja de Champol, en Dijon. 

  
  
• La escultura funeraria: los sepulcros
   En torno a al muerte se desarrolla toda una especialidad escultórica, favorecida por un sentido nuevo del hecho que afecta al énfasis que se pone en su dimensión personal: es el inidivduoel que se enfrenta a un juicio particular de sus actos. 
   
• Los retablos Otra tendencia evidente del período fue desarrollar un gusto por la máxima sofisticación, donde se nota de manera notable es los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. Así como los portales, estas grandes estructuras presentaban un programa iconográfico claramente organizado, con la ilustración de la jerarquía divina que tenían un reflejo en la tierra, bajo la forma de la iglesia instituida con el Vicario de Cristo como su líder, además de sus ministros y los creyentes. Estos retablos eran ofrecidos en general por la comunidad y por tanto, tenían un significado además de religioso, social, porque servían como símbolos de la identidad de esta comunidad, cuanto más ricos y grandes, más prestigio daban a la ciudad o a la congregación. La mayor parte de los retablos poseían paneles plegables laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, presentaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil, algunos estaban ejecutados combinando las imágenes con unas complicadas filigranas de tracería de talla de madera. Escultores de centro Europa fueron los que más aplicaron este estilo, aunque las composiciones monumentales para retablos también llegaron a los reinos de España, por ejemplo el retablo mayor de la catedral de Toledo o el de la Cartuja de Miraflores realizado por Gil de Siloé.⁴⁴​⁴⁵​